Импрессионизм – направление в живописи, зародившиеся во Франции в 1860х годах и во много определившее развитие искусства 19 века. Мастера фиксировали свои мимолетные впечатления, стремились наиболее естественно и непредвзято запечатлеть реальный мир в его подвижности и изменчивости. Центральными фигурами этого направления были Сезанн, Дега, Мане, Писарро, Ренуар, и Силей, и вклад каждого из них в его развитии уникален. Импрессионисты выступали против условностей классицизма, романтизма и академизма, утверждали красоту повседневной действительности, простых, демократических мотивов, добивались живой достоверности изображения, пытались уловить «впечатление» от того, что глаз видит в конкретный момент. Наиболее типичной для импрессионистов темой является пейзаж, однако они в своем творчестве затрагивали и многие другие темы. Дега, например, изображал скачки, балерин, прачек, а Ренуар – очаровательных женщин и детей. В импрессионистических пейзажах, создаваемых на открытом воздухе, простой, будничный мотив часто преображается всепроникающим подвижным светом, вносящим в картину ощущение праздничности. В отдельных приемах импрессионистского построения композиции и пространства ощутимо влияние японской гравюры и отчасти фотографии. Импрессионисты впервые создали многогранную картину повседневной жизни современного города, запечатлели своеобразие его пейзажа и облик населяющих его людей, их быта, труда и развлечений.
Моне Клод Оскар Один из основоположников импрессионизма, в своих картинах художник Моне со второй половины 1860-х годов стремился передавать средствами пленэрной живописи изменчивость световоздушной среды, красочное богатство мира, сохраняя при этом свежесть первого зрительного впечатления от природы. От наименования пейзажа Моне “Впечатление. Восходящее солнце” (“Impression. Soleil levant”; 1872, Музей Мармоттан, Париж) произошло название импрессионизма. В своих пейзажных композициях (“Бульвар капуцинок в Париже”, 1873, “Скалы в Этрета”, 1886, - обе в ГМИИ, Москва; “Поле маков”, 1880-е годы, Государственный Эрмитаж, Санкт-Петербург) Моне воссоздавал вибрацию света и воздуха с помощью мелких раздельных мазков чистого цвета и дополнительных тонов основного спектра, рассчитывая на их оптическое совмещение в процессе зрительного восприятия. Стремясь запечатлеть многообразные переходные состояния природы в разное время дня и при разной погоде, Моне создал в 1890-е годы серии картин-вариаций на один сюжетный мотив (серия полотен “Руанские соборы”, Государственный музей изобразительных искусств имени А. С. Пушкина, Москва, и другие собрания). Для позднего периода творчества Моне характерны декоративизм, все большее растворение предметных форм в изощренных сочетаниях цветовых пятен.
Дега Эдгар Начав со строгих по композиции исторических картин и портретов (“Семейство Беллелли”, около 1858), Дега в 1870-е годы сблизился с представителями импрессионизма, обратился к изображению современной городской жизни – улиц, кафе, театральных представлений (“Площадь Согласия”, около 1875; “Абсент”, 1876). Во многих произведениях Дега показывает характерность поведения и облика людей, порожденную особенностями их быта, выявляет механизм профессионального жеста, позы, движения человека, его пластическую красоту (“Гладильщицы”, 1884). В утверждении эстетической значимости жизни людей, их обыденных занятий сказывается своеобразный гуманизм творчества Дега. Искусству Дега присуще соединение прекрасного, порой фантастического, и прозаического: передавая во многих балетных сценах праздничный дух театра (“Звезда”, пастель, 1878). Художник, как трезвый и тонкий наблюдатель, одновременно фиксирует скрывающийся за нарядной зрелищностью утомительный будничный труд (“Экзамен танца”, пастель, 1880). Произведения Дега с их строго выверенной и одновременно динамичной, часто асимметричной композицией, точным гибким рисунком, неожиданными ракурсами, активным взаимодействием фигуры и пространства сочетают кажущиеся непредвзятость и случайность мотива и архитектоники картины с тщательной продуманностью и расчетом. Поздние работы Дега выделяются интенсивностью и богатством колорита, которые дополняются эффектами искусственного освещения, укрупненными, почти плоскостными формами, стесненностью пространства, придающей им напряженно-драматический характер (“Голубые танцовщицы”, пастель). С конца 1880-х годов Дега много занимался скульптурой, добиваясь выразительности в передаче мгновенного движения (“Танцовщица”, бронза).
Ренуар Пьер Oгюст В 1862-1864 Ренуар учился в Париже в Школе изящных искусств, где сблизился с будущими соратниками по импрессионизму Клодом Моне и Альфредом Сислеем. Ренуар работал в Париже, посетил Алжир, Италию, Испанию, Голландию, Великобританию, Германию. В ранних работах Ренуара сказывается влияние Гюстава Курбе и произведений молодого Эдуара Мане (“Харчевня матушки Антони”, 1866,). На рубеже 1860-1870-х годов Ренуар переходит к живописи на пленэре, органически включая человеческие фигуры в изменчивую световоздушную среду (“Купание на Сене”, 1869). Палитра Ренуара светлеет, легкий динамичный мазок становится прозрачным и вибрирующим, колорит насыщается серебристо-жемчужными рефлексами (“Ложа”, 1874). Изображая эпизоды, выхваченные из потока жизни, случайные жизненные ситуации, Ренуар отдавал предпочтение праздничным сценам городской жизни - балам, танцам, прогулкам, словно стремясь воплотить в них чувственную полноту и радость бытия (“Мулен де ла Галет”, 1876). Особое место в творчестве Ренуара занимают поэтичные и обаятельные женские образы: внутренне различные, но внешне слегка схожие между собой, они как бы отмечены общей печатью эпохи (“После обеда”, 1879, “Зонтики”, 1876; портрет актрисы Жанны Самари, 1878). В изображении обнаженной натуры Ренуар достигает редкой изысканности карнаций, построенных на сочетании теплых телесных тонов со скользящими легкими зеленоватыми и серо-голубыми рефлексами, придающими гладкость и матовость поверхности полотна (“Нагая женщина, сидящая на кушетке”, 1876). Замечательный колорист, Ренуар часто добивается впечатления монохромности живописи с помощью тончайших сочетаний близких по цвету тонов (“Девушки в черном”, 1883). С 1880-х годов Ренуар все более тяготел к классической ясности и обобщенности форм, в его живописи нарастают черты декоративности и безмятежного идиллизма (“Большие купальщицы”, 1884-1887). Лаконизмом, легкостью и воздушностью штриха отличаются многочисленные рисунки и офорты (“Купальщицы”, 1895) Ренуара.
Мане Эдуар Значительное влияние на становление Мане как художника оказало творчество Джорджоне, Тициана, Хальса, Веласкеса, Гойи, Делакруа. В работах конца 1850-х - начала 1860-х годов, составивших галерею остро переданных человеческих типов и характеров, Мане сочетал жизненную достоверность образа с романтизацией внешнего облика модели (“Лола из Валенсии”, 1862). Используя и переосмысляя сюжеты и мотивы живописи старых мастеров, Мане стремился наполнить их актуальным содержанием, иногда эпатирующим образом внести в известные классические композиции изображение современного человека (“Завтрак на траве”, “Олимпия” - оба 1863). В 1860-е годы Эдуар Мане обращался к темам современной истории (“Казнь императора Максимилиана”, 1867), но проникновенное внимание Мане к современности проявлялось прежде всего в сценах, словно бы выхваченных из будничного течения жизни, полных лирической одухотворенности и внутренней значимости (“Завтрак в мастерской”, “Балкон” - оба 1868), а также в близких к ним по художественной установке портретах (портрет Эмиля Золя, 1868, портрет Берты Моризо, 1872). Своим творчеством Эдуар Мане предвосхитил возникновение, а затем стал и одним из основоположников импрессионизма. В конце 1860-х годов Мане сблизился с Эдгаром Дега, Клодом Моне, Огюстом Ренуаром, перешел от глухих и плотных тонов, напряженного колорита с преобладанием темных цветов к светлой и свободной пленэрной живописи (“В лодке”, 1874, Метрополитен-музей; “В кабачке папаши Латюиль”, 1879). Многим произведениям Мане свойственны импрессионистические живописная свобода и фрагментарность композиции, светонасыщенная красочная вибрирующая гамма (“Аржантёй”). В то же время Мане сохраняет ясность рисунка, серые и черные тона в колорите, отдает предпочтение не пейзажу, а бытовому сюжету с выраженной социально-психологической подосновой (столкновение мечты и реальности, призрачность счастья в сверкающем и праздничном мире - в одной из последних картин Мане “Бар в Фоли-Бержер”, 1881-1882). В 1870-1880-е годы Мане много работал в области портрета, расширяя возможности этого жанра и превращая его в своего рода исследование внутреннего мира современника (портрет С.Малларме, 1876), писал пейзажи и натюрморты (“Букет сирени”, 1883), выступал как рисовальщик, мастер офорта и литографии.
Писсарро Камиль испытал влияние Джона Констебла, Камиля Коро, Жана Франсуа Милле. Один из ведущих мастеров импрессионизма, Писсарро в многочисленных сельских пейзажах раскрывал поэзию и очарование природы Франции, с помощью мягкой живописной гаммы, тонкой передачи состояния световоздушной среды придавал обаяние свежести самым непритязательным мотивам (“Вспаханная земля”, 1874; “Тачка”, 1879,). Впоследствии Писсарро часто обращался к городскому пейзажу (“Бульвар Монмартр”, 1897; “Оперный проезд в Париже”, 1898). Во второй половине 1880-х годов Писсарро использовал иногда живописную технику неоимпрессионизма. Писсарро играл одну из главных ролей в организации выставок импрессионистов. В своих работах Камилю Писсарро удалось избежать крайнего проявления пленэра, когда материальные предметы словно растворяются в мерцании световоздушного пространства (“Снег в Лувесьенне”; “Улица в Лувесьенне”, 1873). Многие его работы отличает интерес к характерной выразительности, даже портретности, присущей городскому пейзажу (“Вид на Руан”, 1898)
Сислей Альфред испытал влияние Камиля Коро. Один из ведущих мастеров импрессионизма, Сислей писал непритязательные по мотивам пейзажи окрестностей Парижа, отмеченные тонким лиризмом и выдержанные в свежей и сдержанной световой гамме. Пейзажи Сислея, передающие подлинную атмосферу Иль-де-Франса, хранят в себе особую прозрачность и мягкость природных явлений всех времен года (“Маленькая площадь в Аржантёе”, 1872, “Наводнение в Марли”, 1876; “Мороз в Лувесьенне”, 1873, “Опушка леса в Фонтенбло”, 1885).
Чарующие изображения природы художника Альфреда Сислея с легким оттенком грусти завораживают удивительной передачей настроения в данный момент времени (“Берег Сены у Буживаля”, 1876). С середины 1880-х годов в творчестве Сислея нарастают черты красочного декоративизма.
Вывод: мастера импрессионизма фиксировали свои мимолетные впечатления, стремились наиболее естественно и непредвзято запечатлеть реальный мир в его подвижности и изменчивости. Э. Мане (формально не входивший в группу импрессионистов), О.Ренуар, Э. Дега внесли в искусство свежесть и непосредственность восприятия жизни, обратились к изображению мгновенных, выхваченных из потока реальности ситуаций, духовной жизни человека, изображение сильных страстей, одухотворение природы, интерес
к национальному прошлому, стремление к синтетическим формам искусства сочетаются с мотивами мировой скорби, тягой к исследованию и воссозданию "теневой", "ночной" стороны человеческой души, со знаменитой "романтической иронией", позволявшей романтикам смело сопоставлять и уравнивать высокое и низменное, трагическое и комическое, реальное и фантастическое. использовали фрагментарные, реальности ситуаций, использовали фрагментарные, на первый взгляд неуравновешенные композиционные построения, неожиданные ракурсы, точки зрения, срезы фигур. В 1870–1880-е годы формируется пейзаж французского импрессионизма: К. Моне, К. Писсарро, А. Сислей выработали последовательную систему пленэра, создавали в своих картинах ощущение сверкающего солнечного света, богатства красок природы, растворения форм в вибрации света и воздуха.
Презентация «Импрессионизм в живописи » познакомит в творчеством выдающихся французских художников: Клода Моне, Камиля Писсарро, Эдгара Дега, Альфреда Сислея и Огюста Ренуара, расскажет о революции, которую они совершили в искусстве.
Импрессионизм в живописи
О происхождении термина «импрессионизм » скажу лишь для порядка, уверена, что мой любознательный читатель знает об этом ещё со школьных лет. Впервые этот термин появился в критической статье в газете «Шаривари », посвящённой выставке художников, решивших показать работы, не принятые в Салон, где в то время приветствовалось академическое искусство. Наши свободолюбивые герои, не желая подчиняться никаким правилам, добились от императора Наполеона III разрешения устроить свою выставку. Первая такая акция в 1863 году получила название «Салон отверженных ». Через десять лет художники выставляются вновь. На этой выставке среди других эпатировавших публику работ находилась и знаменитая теперь во всём мире картина Клода Моне «Впечатление. Восход солнца », подарившая имя замечательному направлению в искусстве.
Художников-импрессионистов существовало и существует очень много. Моя презентация посвящена лишь творчеству пяти самых выдающихся. Любой творческий человек отлично представляет, как трудно оставаться верным своим идеям в авторитарном обществе. Наши герои часто оказывались в безвыходной ситуации, не имея средств, чтобы накормить семью (У Камиля Писсарро, например, было семеро детей!).
Искусство и наука
Открытия импрессионистов в области искусства были неразрывно связаны с научными открытиями и творческими прозрениями их предшественников. Главным правилом живописцев-импрессионистов было условие работы на пленэре . Эта идея не была новой. На пленэре писали свои чудесные, живые пейзажи Но, ни барбизонцы, ни импрессионисты не смогли бы работать на воздухе, если бы в 1841 году американский портретист Джон Ренд не изобрёл оловянный, сжимающийся тюбик для масляных красок . Изобретение фотографии также не могло не сказаться на судьбе живописи. Кстати, один из первых профессиональных фотографов Ральф Надар был другом импрессионистов, и свои первые выставки они устраивали именно в его мастерской.
«Суха теория, мой друг …»
В отличие от живописи в пейзажах импрессионистов мы не найдём глубины и душевности. Задача героев моей презентации состояла в том, чтобы запечатлеть на полотне сиюминутное состояние воздушной среды. Главным героем художников-импрессионистов была не природа, а свет и воздух , меняющиеся каждое мгновение. Уловить эти изменения и старались Клод Моне, Камиль Писсарро, Альфред Сислей. Именно этим стремлением мы обязаны существованию знаменитых серий Клода Моне: «Стога», «Руанский собор», «Вокзал Сен-Лазар», «Тополя», Здание лондонского Парламента», «Нимфеи» и других. На сайте Gallerix.ru можно увидеть эти картины в хорошем качестве.
Идеи импрессионистов
Ни один цвет не существует сам по себе. Форма и краски – понятия нераздельные. Свет вызывает формы. Исчезает свет, пропадают формы и краски.
Всякий цвет составлен из элементов солнечного света, то-есть из 7 тонов спектра.
То, что прежде называлось локальным тоном – заблуждение: лист не зелёный, ствол дерева – не коричневый.
Воздух – единственный реальный сюжет картины, только через него мы видим всё, что на ней изображено.
Живописец должен писать только семью красками спектра и изгнать из палитры все остальные. Это то, что смело сделал Клод Моне, добавив лишь белую и чёрную. Затем, вместо того, чтобы составлять смеси на палитре, он должен вводить на холст лишь мазки из семи чистых красок, раскладывая их одну около другой, предоставляя отдельным цветам вступать в смеси уже в глазу зрителя, следовательно, поступая так, как это делает сам свет. Это и есть теория разложения тонов, составляющая главную основу техники импрессионистов.
Свет становится единственным сюжетом картины, интерес к предметам, на которых он играет, делается второстепенным.
Волынский. Зелёное дерево жизни
«Импрессионисты преобразовали восприятие живописи и природы. Вряд ли после них найдётся любитель искусства или художник, который решится утверждать, что небо – просто синее, снег – белый, а трава – зелёная. Не замечая того, мы смотрим теперь на мир сквозь призму импрессионистической живописи. Они открыли возможность видеть не только определённый объект, но то «что живёт между художником и предметом изображения». Конечно, у них были великие предшественники, но окно в мир солнца и воздуха так широко было распахнуто именно импрессионистами»
Фомина Н.Н.
На сайте Артхив есть интересный материал, посвящённый импрессионистам: «Путешествие по Франции с импрессионистами» . Любителям импрессионистического искусства будет интересно.
Если вы решите посмотреть мою презентацию, то не поленитесь загрузить её на свой компьютер (она, правда, получилась очень тяжёлой, хотелось сделать красиво, а формат png тяжёлый). Иначе, многие эффекты анимации не будут работать.
Использованная литература:
- Искусство. Малая детская энциклопедия. – М.: Русское энциклопедическое товарищество, 2001.
- Энциклопедия для детей. Т.7. Искусство. – М.: Аванта+, 2000.
- Энциклопедия. Пейзаж. – М.: «ОЛМА-ПРЕСС Образование», 2002.
- Великие художники. Том 72. Камиль Жакоб Писсарро. – М.: Издательство «Директ-Медиа», 2011.
- Беккет В. История живописи. – М.: ООО «Издательство Астрель»: ООО «Издательство АСТ», 2003.
- Великие художники. Том 25. Эдгар Илэр Жерме Дега. – М.: Издательство «Директ-Медиа», 2010.
- Великие художники. Том 59. Альфред Сислей. – М.: Издательство «Директ-Медиа», 2010.
- Великие художники. Том 4. Клод Моне. – М.: Издательство «Директ-Медиа», 2009.
- Емохонова Л.Г. Мировая художественная культура: Учеб. Пособие для студ. сред. пед. учеб. заведений. – М.: Издательский центр «Академия», 1998.
- Львова Е.П., Сарабьянов Д.В., Борисова Е.А., Фомина Н.Н., Березин В.В., Кабкова Е.П., Некрасова Л.М. Мировая художественная культура. XIX век. Изобразительное искусство, музыка, театр. ‒ СПб.: Питер, 2007.
- Раймон Конья. Писсарро. – М.: Слово, 1995
- Самин Д.К. Сто великих художников. – М.: Вече, 2004.
Удачи!
На рубеже 18-19 веков в большинстве стран Западной Европы произошел новый скачок в развитии науки и техники. Индустриальная культура проделала огромную работу по укреплению духовных основ общества, преодолению рационалистических ориентиров и возделыванию человеческого в человеке. Она очень остро ощутила потребность в красоте, в утверждении эстетически развитой личности, в углублении реального гуманизма, предприняв практические шаги по воплощению свободы, равенства, гармонизации общественных отношений.
В этот период Франция переживала нелегкое время. Франко-прусская война, короткое кровавое восстание и падение Парижской коммуны ознаменовали конец Второй Империи.
После расчистки развалин, оставшихся от страшных прусских бомбардировок и яростной гражданской войны, Париж вновь провозгласил себя центром европейского искусства.
Ведь столицей европейской художественной жизни он стал еще во времена короля Людовика XIV, когда были учреждены Академия и ежегодные выставки искусства, получившие названия Салонов - от так называемого Квадратного салона в Лувре, где каждый год выставлялись новые работы живописцев и скульпторов. В XIX веке именно Салоны, где развернется острая художественная борьба, будут выявлять новые тенденции в искусстве.
Принятие картины на выставку, одобрение ее жюри Салона, было первым шагом на пути к общественному признанию художника. С 1850-х годов Салоны все больше превращались в грандиозные смотры произведений, отобранных в угоду официальным вкусам, отчего даже появилось выражение «салонное искусство». Картины, чем-либо не соответствовавшие этому нигде не прописанному, но жесткому «стандарту», просто отвергались жюри. Пресса на все лады обсуждала, какие художники были приняты в Салон, а какие - нет, превращая едва ли не каждую из этих ежегодных выставок в общественный скандал .
В 1800-1830 годах на французскую пейзажную живопись и изобразительное искусство в целом стали оказывать воздействие голландские и английские пейзажисты. Эжен Делакруа, представитель романтизма, привнес в свои картины новую яркость красок и виртуозность письма. Он был поклонником Констебла, стремившегося к новому натурализму. Радикальный подход Делакруа к цвету и его технику наложения крупных мазков краски для усиления формы впоследствии разовьют импрессионисты.
Особый интерес для Делакруа и его современников представляли этюды Констебла. Пытаясь уловить бесконечно изменчивые свойства света и цвета, Делакруа замечал, что в природе они «никогда не пребывают в неподвижности» . Поэтому у французских романтиков вошло в привычку писать маслом и акварелью быстрее, но отнюдь не поверхностные этюды отдельных сцен.
К середине века самым значительным явлением в живописи стали реалисты, возглавляемые Гюставом Курбе. После 1850 г. во французском искусстве на протяжении десятилетия происходило беспримерное дробление стилей, отчасти допустимых, но никогда не одобрявшихся авторитетами. Эти эксперименты толкнули молодых художников на путь, который был логическим продолжением уже возникших тенденций, но публике и арбитрам Салона казался ошеломляюще революционным.
Искусство, занимавшее господствующее положение в залах Салона, отличалось, как правило, внешней ремесленно-технической виртуозностью, интересом к анекдотическим, занимательно рассказанным сюжетам сентиментально-бытового, бутафорски исторического характера и изобилием мифологических сюжетов, оправдывающих всевозможные изображения обнаженного тела. Это было эклектическое и развлекательно-безыдейное искусство. Соответствующие кадры подготавливались под эгидой Академии Школой изящных искусств, где всем делом заправляли такие мастера позднего академизма, как Кутюр, Кабанель и другие. Салонное искусство отличалось исключительной живучестью, художественного опошляя, духовно объединяя и приспосабливая к уровню мещанских вкусов публики достижения основных творческих исканий своего времени.
Искусству Салона противостояли различные реалистические направления. Их представителями были лучшие мастера французской художественной культуры тех десятилетий. С ними связанно творчество художников-реалистов, продолжающих в новых условиях тематические традиции реализма 40-50-х гг. 19 века - Бастьен-Лепажа, Лермитта и других. Решающее же значение для судеб художественного развития Франции и Западной Европы в целом имели новаторские реалистические искания Эдуарда Мане и Огюста Родена, остро выразительное искусство Эдгара Дега и, наконец, творчество группы художников, наиболее последовательно воплотивших принципы искусства импрессионизма: Клода Моне, Писсаро, Сислея и Ренуара. Именно их творчество положило начало бурному развитию периода импрессионизма.
Импрессионизм (от франц. impression-впечатление), направление в искусстве последней трети XIX - начала XX веков, представители которого стремились наиболее естественно и непредвзято запечатлеть реальный мир в его подвижности и изменчивости, передать свои мимолетные впечатления.
Импрессионизм составил эпоху во французском искусстве второй половины XIX века и распространился затем на все страны Европы. Он реформировал художественные вкусы, перестроил зрительное восприятие. По существу, он был естественным продолжением и развитием реалистического метода. Искусство импрессионистов столь же демократично, как и искусство их прямых предшественников, оно не делает различий между «высокой» и «низкой» натурой и всецело доверяет показаниям глаза. Изменяется способ «смотрения» - оно становится наиболее пристальным и одновременно более лиричным. Выветривается связь с романтизмом, - импрессионисты, также как реалисты старшего поколения, хотят иметь дело только с современностью, чуждаясь исторической, мифологической и литературной тематики . Для великих эстетических открытий им было достаточно самых простых, ежедневно наблюдаемых мотивов: парижские кафе, улицы, скромные садики, берега Сены, окрестные деревни.
Импрессионисты жили в эпоху борьбы современности и традиций. Мы видим в их произведениях радикальный и ошеломляющий для того времени разрыв с традиционными принципами искусства, кульминацию, но не завершение поисков нового взгляда. Абстракционизм XX века родился из экспериментов с существовавшим тогда искусством, точно также новшества импрессионистов выросли из творчества Курбе, Коро, Делакруа, Констебла, а также предшествующих им старых мастеров.
Импрессионисты отбросили традиционные разграничения этюда, эскиза и картины. Они начинали и заканчивали работу прямо на открытом воздухе - на пленэре. Если им и приходилось что-то доделывать в мастерской, они все-таки стремились сохранить ощущение уловленного мгновения и передать световоздушную атмосферу, окутывающую предметы.
Пленэр - ключ к их методу. На этом пути они достигли исключительной тонкости восприятия; им удалось выявить в отношениях света, воздуха и цвета такие чарующие эффекты, каких раньше не замечали и без живописи импрессионистов, наверно, и не заметили бы. Недаром, говорили, что лондонские туманы изобрел Моне, хотя импрессионисты ничего не придумывали, полагаясь только на показания глаза, не примешивая к ним предварительного знания об изображаемом.
Действительно, импрессионисты больше всего дорожили соприкосновенением души с натурой, придавая огромное значение непосредственному впечатлению, наблюдению за разнообразными явлениями окружающей действительности. Недаром они терпеливо ждали ясных теплых дней, чтобы писать на открытом воздухе на пленэре.
Но создатели нового типа красоты никогда не стремились к тщательному подражанию, копированию, объективному «портретированию» природы. В их работах присутствует не просто виртуозное оперирование миром впечатляющих видимостей. Сущность импрессионистической эстетики заключается в поразительном умении сконденсировать красоту, высветить глубину уникального явления, факта и воссоздать поэтику преображенной реальности, согретой теплом человеческой души. Так возникает качественно иной, эстетически привлекательный, насыщенный одухотворенным сиянием мир.
В результате импрессионистического прикосновения к миру все, на первый взгляд, заурядное, прозаическое, тривиальное, сиюминутное трансформировалось в поэтическое, притягательное, праздничное, поражающее все проникающей магией света, богатством красок, трепетными бликами, вибрацией воздуха и лицами, излучающими чистоту. В противоположность академическому искусству, которое опиралось на каноны классицизма - обязательное помещение главных действующих лиц в центр картины, трехплановость пространства, использование исторического сюжета с целью вполне конкретной смысловой ориентации зрителя - импрессионисты перестали подразделять предметы на главные и вторестепенные, возвышенные и низкие. Отныне в картине могли воплощаться разноцветные тени от предметов, стог сена, куст сирени, толпа на парижском бульваре, пестрая жизнь рынка, прачки, танцовщицы, продавщицы, свет газовых фонарей, железнодорожная ветка, бой быков, чайки, скалы, пионы.
Для импрессионистов характерен острый интерес ко всем явлениям обыденно текущей жизни. Но это не означало некую всеядность, неразборчивость. В обычных, повседневных явлениях выбирался тот момент, когда гармония окружающего мира проявлялась наиболее впечатляюще. Импрессионистическое мировоззрение было чрезвычайно отзывчиво на самые тонкие оттенки одного и того же цвета, состояния предмета или явления.
В 1841 г. живущий в Лондоне американский портретист Джон Гоффрэнд впервые придумал тюбик, откуда выдавливалась краска, и торговцы красками Уинзор и Ньютон быстро подхватили идею. Пьер Огюст Ренуар, по свидетельству его сына, говорил: «Без красок в тюбиках не было бы ни Сезанна, ни Моне, ни Сислея, ни Писсаро, ни одного из тех, кого журналисты потом окрестили импрессионистами» .
Краска в тюбиках имела консистенцию свежего масла, идеальна для наложения на холст густыми пастозными мазками кисти или даже шпателя; оба способа использовали импрессионисты.
В новых тюбиках на рынке стал появляться весь спектр ярких устойчивых красок. Успехи химии в начале века принесли новые краски, например, синий кобальт, искусственный ультрамарин, желтый хром с оранжевым, красным, зеленым, оттенком, изумрудную зелень, белый цинк, долговечные свинцовые белила. К 1850-м годам в распоряжении художников оказалась яркая, надежная и удобная, как никогда раньше палитра красок.
Импрессионисты не прошли мимо научных открытий середины века, касавшихся оптики, разложения цвета. Дополнительные цвета спектра (красный - зеленый, синий - оранжевый, лиловый - желтый) при соседстве усиливают друг друга, а при смешении обесцвечиваются. Любой цвет, положенный на белый фон, кажется окруженным легким ореолом от дополнительного цвета; там же и в тенях, отбрасываемых предметами, когда они освещены солнцем, проступает цвет, дополнительный к окраске предмета. Частью интуитивно, а частью и сознательно художники использовали подобные научные наблюдения. Для импрессионистической живописи они оказались особенно важны. Импрессионисты учитывали законы восприятия цвета на расстоянии и, по - возможности, избегая смешивать краски на палитре, располагали чистые красочные мазки так, чтобы они смешивались в глазу зрителя. Светлые тона солнечного спектра - одна из заповедей импрессионизма. Они отказывались от черных, коричневых тонов, ибо солнечный спектр их не имеет. Тени они передавали цветом, а не чернотой, отсюда мягкая сияющая гармония их полотен.
В целом импрессионистический тип красоты отразил факт противостояния духовного человека процессу урбанизации, прагматизму, закрепощению чувств, что приводило к усилению потребности в более полном раскрытии эмоционального начала, актуализации душевных качеств личности и вызывало желание в более остром переживании пространственно-временных характеристик бытия.
Импрессионизм - это художественное течение, возникшее в 70-х годах. XIX века во французской живописи, а затем проявившееся в музыке, литературе, театре.
Импрессионизм в живописи начал складываться задолго до известной выставки 1874 года. Родоначальником импрессионистов традиционно считается Эдуард Мане. Он был очень вдохновлен классическими работами Тициана, Рембрандта, Рубенса, Веласкеса. Свое видение изображений Мане выражал на своих полотнах, добавляя «вибрирующие» мазки, создававшие эффект незаконченности. В 1863 году Мане создал «Олимпию», которая вызвала большой скандал в культурном обществе.
На первый взгляд, картина выполнена в русле традиционных канонах, но при этом она уже несла и новаторские веяния. В различных парижских изданиях по поводу «Олимпии» было написано около 87 отзывов. На нее обрушилась масса негативной критики - художника обвиняли в вульгарности. И лишь несколько статей можно было назвать благожелательными.
Мане в своей работе использовал технику наложения однослойной краски, что создавало эффект пятен. Впоследствии этот прием наложения красок был перенят художниками-импрессионистами в качестве основы для изображений на живописных полотнах.
Отличительная черта импрессионизма заключалась в тончайшей фиксации мимолётных впечатлений, в особой манере воспроизведения световой среды с помощью сложной мозаики чистых красок, беглых декоративных штрихов.
Любопытно, что в начале своих поисков художники использовали цианометр - инструмент для определения синевы неба. Черный цвет исключался из палитры, его заменяли другими цветовыми оттенками, что позволяло не испортить солнечное настроение картин.
Импрессионисты ориентировались на новейшие научные открытия своего времени. Теория цвета Шевреля и Гельмгольца сводится к следующему: солнечный луч расщепляется на составляющие цвета, и, соответственно, две положенные на холсте краски усиливают живописный эффект, а при смешивании краски теряют интенсивность.
Эстетика импрессионизма складывалась, отчасти, как попытка решительно освободиться от условности классицизма в искусстве, а также от настойчивой символичности и глубокомыслия позднеромантической живописи, предлагавшей всем видеть зашифрованные замыслы, нуждающиеся в тщательном истолковании. Импрессионизм утверждал не просто красоту повседневной действительности, а фиксацию красочной атмосферы, не детализируя и не растолковывая, изображая мир как вечно меняющееся оптическое явление.
Художники-импрессионисты разработали законченную систему пленэра. Предшественниками этой стилистической особенности были художники-пейзажисты, выходцы из барбизонской школы, основными представителями которой были Камиль Коро и Джон Констебл.
Работа на открытом пространстве давала больше возможности запечатлевать малейшие цветовые изменения в разное время суток.
Клодом Моне были созданы несколько серий картин на один и тот же сюжет, например, «Руанский собор» (серия из 50 картин), «Стога» (серия из 15 картин), «Пруд с водяными лилиями» и др. Главным показателем этих серий было изменение света и цветовой гаммы в изображении одного и того же объекта, написанного в разное время суток.
Еще одним достижением импрессионизма считается разработка оригинальной живописной системы, где сложные тона разлагаются на чистые цвета, передаваемые отдельными мазками. Художники не смешивали цвета на палитре, а предпочитали накладывать мазки непосредственно на полотно. Такой прием придавал картинам особую трепетность, изменчивость и рельефность. Работы художников наполнились цветом и светом.
Выставка 15 апреля 1874 года в Париже была итогом периода становления и представления широкой публике нового течения. Экспозиция была развёрнута в студии фотографа Феликса Надара на бульваре Капуцинок.
Название «Импрессионизм» возникло после выставки, на которой была экспонировалась картина Моне «Впечатление. Восход солнца». Критик Л. Леруа в своем обзоре в издании «Сharivari» дал шутливую характеристику выставке 1874 года, приведя в пример работу Моне. Другой критик, Морис Дени, упрекал импрессионистов в отсутствии индивидуальности, чувства, поэзии.
На первой выставке свои работы демонстрировали порядка 30 художников. Это было самое большое количество, в сравнении с последующими выставками вплоть до 1886 года.
Нельзя не сказать о положительных отзывах со стороны русского общества. Русские художники и критики-демократы, всегда живо интересовавшиеся художественной жизнью Франции - И. В. Крамской, И. Е. Репин и В. В. Стасов - высоко оценивали достижения импрессионистов с самой первой выставки.
Новый этап истории искусства, начавшийся выставкой 1874 года, не был внезапным взрывом революционных тенденций - он явился кульминацией медленного и последовательного развития.
При всем том, что все великие мастера прошлого сделали свой вклад в развитие принципов импрессионизма, непосредственные корни течения можно наиболее легко обнаружить в двадцатилетии, предшествующем исторической выставке.
Параллельно выставкам в Салоне, набирали свои обороты выставки импрессионистов. В их работах демонстрировались новые тенденции в живописи. Это было упреком салонной культуре и выставочным традициям. В дальнейшем художникам-импрессионистам удалось привлекать на свою сторону почитателей новых веяний в искусстве.
Теоретические знания и формулировки импрессионизма стали складываться достаточно поздно. Художники предпочитали больше практики и собственных экспериментов над светом и цветом. В импрессионизме, прежде всего живописном, прослеживается наследие реализма, в нем ярко выражается антиакадемическая, антисалонная направленность и установка изображения окружающей действительности того времени. Некоторые исследователи отмечают, что импрессионизм стал особым ответвлением реализма.
Бесспорно, в импрессионистическом искусстве, как в каждом художественном течении, возникающем в период перелома и кризиса старых традиций, были сплетены, при всей его внешней цельности, различные и даже противоречивые тенденции.
Принципиальные особенности заключались в тематике работ художников, в средствах художественной выразительности. Книга Ирины Владимировой об импрессионистах включает несколько глав: «Пейзаж, природа, впечатления», «Город, места встреч и расставаний», «Увлечения, как образ жизни», «Люди и характеры», «Портреты и автопортреты», «Натюрморт». В ней также описываются история создания и местонахождение каждой работы.
В период расцвета импрессионизма художники находили гармоническое равновесие между объективной действительностью и ее восприятием. Художники старались запечатлеть каждый лучик света, движение ветерка, переменчивость природы. Для сохранения свежести картин импрессионисты создали оригинальную живописную систему, которая впоследствии оказалась очень важной для развития искусства в дальнейшем. Несмотря на общие тенденции направлений живописи, каждый художник нашёл свой творческий путь и основные жанры в живописи.
Классический импрессионизм представлен такими художниками как Эдуард Мане, Клод Моне, Пьер Огюст Ренуар, Эдгар Альфред Сислей, Камиль Писсарро, Жан Фредерик Базиль, Берта Моризо, Эдгар Дега.
Рассмотрим вклад некоторых художников в становление импрессионизма.
Эдуард Мане (1832-1883)
Первые уроки живописи Мане получил от Т. Кутюры, благодаря этому будущий художник приобрел массу необходимых профессиональных навыков. Из-за отсутствия должного внимания учителя к своим ученикам Мане покидает ателье мастера и занимается самообразованием. Он посещает выставки в музеях, на его творческое формирование большое влияние оказали старые мастера, особенно испанские.
В 1860-е Мане пишет две работы, в которых просматриваются основные принципы его художественного подчерка. «Лола из Валенсии» (1862) и «Флейтист» (1866) показывают Мане как художника, который раскрывает характер модели через передачу цвета.
Его идеи по технике нанесения мазков и отношение к цвету были приняты другими художниками-импрессионистами. В 1870-е Мане сближается со своими последователями и работает на пленэре без черного цвета на палитре. Приход к импрессионизму был результатом творческой эволюции самого Мане. Наиболее импрессионистическими картинами Мане считаются «В лодке» (1874) и «Клод Моне в лодке» (1874).
Мане также писал множество портретов разных светских дам, актрис, натурщиц, красивых женщин. В каждом портрете была передана неповторимость и индивидуальность модели.
Незадолго до своей смерти Мане пишет один из своих шедевров - «Бар Фоли-Бержер» (1881-1882). В этой картине сочетается сразу несколько жанров: портрет, натюрморт, бытовая сцена.
Н. Н. Калитина пишет: «Магия искусства Мане такова, что девушка и противостоит окружающему, благодаря чему столь четко раскрывается её настроение, и одновременно является частью, ибо весь задний план, смутно угадывающийся, неопределенный, волнующийся, также решен в сине-черных, голубовато-белых, желтых тонах».
Клод Моне (1840-1926)
Клод Моне являлся несомненным лидером и основателем классического импрессионизма. Основным жанром его живописи был пейзаж.
В юности Моне увлекался карикатурой и шаржем. Первыми моделями для своих работ были его учителя, товарищи. Для образца он использовал карикатуры в газетах и журналах. Он копировал рисунки в «Голуа» Э. Каржа, поэта и карикатуриста, друга Гюстава Кубре.
В колледже живопись Моне преподавал Жак-Франсуа Ошара. Но справедливо заметить влияние на Моне Будена, который поддерживал художника, давал ему советы, мотивировал на продолжение творчества.
В ноябре 1862 года в Париже Моне продолжил свое обучение в Париже у Глейра. Благодаря этому Моне познакомился у него в мастерской с Базилем, Ренуаром, Сислеем. Молодые художники готовились к поступлению в Школу изящных искусств, уважая своего учителя, который за свои уроки брал мало и в мягкой форме давал советы.
Моне создавал свои картины не как рассказ, не как иллюстрацию идеи или темы. Его живопись, подобно жизни, не имела четких целей. Он видел мир, не сосредоточиваясь на деталях, на каких-то принципах, он шел к «пейзажному видению» (термин историка искусства А. А. Федорова-Давыдова). Моне стремился к бессюжетности, слиянию жанров на полотне. Средством воплощения его нововведений были этюды, которым предполагалось стать законченными картинами. Все этюды рисовались с натуры.
Он писал и луга, и холмы, и цветы, и скалы, и сады, и деревенские улочки, и море, пляжи и многое другое, он обращался к изображению природы в разное время суток. Часто он писал одно и то же место в разное время, тем самым создавая целые циклы из своих работ. Принципом его работы было не изображение объектов на картине, а точная передача света.
Приведем несколько примеров работ художника - «Поле маков у Аржантёя» (1873), «Лягушатник» (1869), «Пруд с кувшинками» (1899), «Пшеничные стога»(1891).
Пьер Огюст Ренуар (1841-1919)
Ренуар относится к выдающимся мастерам светского портрета, кроме этого, он работал в жанрах пейзажа, бытовой сцены, натюрморта.
Особенность его творчества - интерес к личности человека, раскрытию его характера и души. В своих полотнах Ренуар пытается подчеркнуть ощущение полноты бытия. Художника привлекают развлечения и праздники, он пишет балы, прогулки с их движением и разнообразием персонажей, танцы.
Самые известные работы художника - «Портрет актрисы Жанны Самари», «Зонтики», «Купание на Сене» и др.
Интересен, что Ренуар отличался музыкальностью и в детстве пел в церковном хоре под руководством выдающего композитора и педагога Шарля Гуно в Париже в соборе Сен-Эсташ. Ш. Гуно настоятельно рекомендовал мальчику заниматься музыкой. Но в то же время Ренуар открыл в себе художественный талант - с 13 лет он уже научился расписывать фарфоровую посуду.
Занятия музыкой повлияли на становление личности художника. Целый ряд его работ связан с музыкальной тематикой. В них нашла свое отражение игра на фортепиано, гитаре, мандолине. Это картины «Урок игры на гитаре», «Молодая испанская женщина с гитарой», «Молодая дама за фортепиано», «Женщина, играющая на гитаре», «Урок фортепиано» и др.
Жан Фредерик Базиль (1841-1870)
По мнению его друзей-художников, Базиль был самым перспективным и выдающимся импрессионистом.
Его работы отличаются яркой цветовой гаммой и одухотворенностью образов. Большое влияние на его творческий путь оказали Пьер Огюст Ренуар, Альфред Сислей и Клод Моне. Квартира Жана Фредерика для начинающих живописцев была своеобразной студией и жильем.
Базиль преимущественно писал на пленэре. Основной идеей его творчества было изображение человека на фоне природы. Первыми его героями на картинах были его друзья-художники; многие импрессионисты очень любили рисовать друг друга в своих работах.
Фредерик Базиль в совсем творчестве обозначил течение реалистического импрессионизма. Самая известная его картина - «Семейное воссоединение» (1867) - автобиографична. Художник изображает на ней членов своей семьи. Эта работа была представлена в Салоне и получила одобрительную оценку публики.
В 1870 году художник погиб в прусско-французской войне. Уже после смерти художника его друзья-художники организовали третью выставку импрессионистов, где были выставлены и его полотна.
Камиль Писсарро (1830-1903)
Камиль Писсарро - один из крупнейших представителей художников-пейзажистов после К. Моне. Его работы постоянно выставлялись в экспозициях импрессионистов. В своих работах Писсарро предпочитал изображать вспаханные поля, крестьянский быт и труд. Его картины отличались структурностью форм и четкостью композиции.
Позже художник стал писать и картины на городские темы. Н. Н. Калитина в своей книге отмечает: «Он смотрит на городские улицы из окон верхних этажей или с балконов, не вводя их в композиции».
Под влиянием Жорж-Пьера Сёра художник занялся пуантилизмом. Данная техника подразумевает собой наложение каждого мазка отдельно, словно ставя точки. Но творческие перспективы в этой области не реализовались, и Писсарро вернулся к импрессионизму.
Самыми известными картинами Писсарро стали «Бульвар Монмартр. После полудня, солнечно», «Оперный проезд в Париже», «Площадь французского театра в Париже», «Сад в Понтуазе», «Жатва», «Сенокос» и др.
Альфред Сислей (1839-1899)
Основным жанром живописи Альфреда Сислея был пейзаж. В его ранних работах видно преимущественно влияние К. Коро. Постепенно в процессе совместной работы с К. Моне, Ж. Ф. Базилем, П. О. Ренуаром в его работах начинают появляться светлые тона.
Художника привлекает игра света, изменение состояния атмосферы. К одному и тому же пейзажу Сислей обращался несколько раз, запечатлевая его в разное время суток. Приоритет в своих работах художник отдавал изображению воды и неба, которые менялись ежесекундно. Художник сумел добиться совершенства с помощью цвета, каждый оттенок в его работах несет своеобразную символичность.
Самые известные его работы: «Сельская аллея» (1864), «Мороз в Лувесьене» (1873), «Вид Монмартра с Цветочного острова» (1869), «Ранний снег в Лувесьенне» (1872), «Мост в Аржантее» (1872).
Эдгар Дега (1834-1917)
Эдгар Дега - это художник, начавший свой творческий путь с обучения в Школе изящных искусств. Он был вдохновлен художниками итальянского Возрождения, что оказало влияние на его творчество в целом. В начале Дега писал исторические картины, например, «Спартанские девушки вызывают на состязание спартанских юношей. (1860). Основным жанром его живописи является портрет. В своих работах художник опирается на классические традиции. Он создает произведения, отмеченные острым ощущением своего времени.
В отличие от своих коллег, Дега не разделяет радостный, открытый взгляд на жизнь и вещи, присущий импрессионизму. Художнику ближе критическая традиция искусства: сострадание судьбе простого человека, умение видеть души людей, их внутренний мир, противоречивость, трагедию.
Для Дега большую роль в создании портрета играют предметы и интерьер, окружающие человека. Приведем несколько работ в пример: «Дезире Дио с оркестром» (1868-1869), «Женский портрет» (1868), «Чета Морбилли»(1867) и др.
Принцип портретности в работах Дега прослеживается на протяжении всего его творческого пути. В 1870-е годы художник в полной красе изображает социум Франции, в частности Парижа в своих работах. В интересах художника - городская жизнь в движении. «Движение было для него одним из важнейших проявлений жизни, а способность искусства его передать - важнейшим завоеванием современной живописи», - пишет Н.Н. Калитина.
В этот период времени создаются такие картины как «Звезда» (1878), «Мисс Лола в цирке Фернандо», «Скачки в Эпсоме» и др.
Новым витком творчества Дега становится его интерес к балету. Он показывает закулисную жизнь балерин, рассказывает об их тяжелом труде и упорных тренировках. Но, несмотря на это, художнику удается найти воздушность и легкость в передаче их образов.
В балетной серии картин Дега видны достижения в области передачи искусственного света рампы, они говорят о колористическом даровании художника. Самые известные картины «Голубые танцовщицы» (1897), «Танцевальный класс» (1874), «Танцовщица с букетом» (1877), «Танцовщицы в розовом» (1885) и другие.
В конце жизни из-за ухудшения зрения Дега пробует свои силы в скульптуре. Его объектами становятся те же балерины, женщины, лошади. В скульптуре Дега старается передать движение, и для того чтобы оценить скульптуру, нужно рассмотреть её с разных сторон.
Все берет свои истоки где-то в прошлом, в том числе и живописи менялись вместе с временами, а нынешние течения понятны далеко не всем. Но все новое - это хорошо забытое старое, и чтобы понять нынешнюю живопись, не нужно знать историю искусств с древнейших времен, достаточно только вспомнить живопись XIX и XX веков.
Середина XIX века - время перемен не только в истории, но и искусстве. Все, что было до: классицизм, романтизм и тем более академизм - течения, ограниченные определенными рамками. Во Франции 50-60-х годов тенденции в живописи задавал официальный Салон, но типичное «салоновское» искусство устраивало не всех, это и объяснило появившиеся новые направления. В живописи того времени произошел революционный взрыв, который порвал с вековыми традициями и устоями. И одним из эпицентров стал Париж, где весной 1874 года молодые художники-живописцы, среди которых были Моне, Писсаро, Сислей, Дега, Ренуар и Сезан, организовали собственную выставку. Работы, представленные там, совершенно отличались от салонных. Художники использовали другой метод - рефлексы, тени и свет передавались чистыми красками, отдельными мазками, форма каждого предмета как будто растворялась в воздушно-световой среде. Никакие другие направления в живописи не знали подобных методов. Эти эффекты помогали максимально выразить свои впечатления от вечно меняющихся вещей, природы, людей. Один журналист обозвал группу «импрессионистами», тем самым он хотел показать свое пренебрежение к молодым художникам. Но они приняли этот термин, и он в итоге прижился и вошел в активное употребление, потеряв отрицательный смысл. Так появился импрессионизм, непохожий на все остальные направления в живописи 19 века.
Поначалу реакция на новшество была более чем неприязненной. Слишком смелую и новую живопись покупать никто не хотел, да и боялись, ведь все критики не принимали импрессионистов всерьёз, смеялись над ними. Многие говорили, что художники-импрессионисты хотели добиться быстрой славы, их не устраивал резкий разрыв с консерватизмом и академизмом, а также незаконченный и «неряшливый» вид работ. Но отказаться от своих убеждений художников не смогли заставить даже голод и бедность, и они проявляли упорство до тех пор, пока их живопись наконец не признали. Но ждать признания пришлось слишком долго, некоторых художников-импрессионистов тогда уже не было в живых.
В итоге, зародившееся в Париже 60-х годов течение имело огромное значение для развития мирового искусства XIX и XX веков. Ведь будущие направления в живописи отталкивались именно от импрессионизма. Каждый последующий стиль появлялся в поисках нового. Постимпрессионизм породили те же импрессионисты, которые решили, что их метод ограничен: глубокий и многозначный символизм был ответом на живопись, «утратившую смысл», а модерн даже своим названием призывает к новому. Конечно, с 1874 года в искусстве произошло много перемен, но все современные направления в живописи так или иначе отталкиваются от мимолетного парижского впечатления.
Загрузка...
