Роберт Раушенберг родился 22 октября 1925 года в городе Порт-Артур, штат Техас, США. Он получил образование в Художественном институте в Канзас-Сити, а затем в Академии Жюлиана в Париже и в колледже Блэк-Маунтин в Северной Каролине.
Продолжая традиции кубизма, работал в основном в технике коллажа и редимейда. Комбинации Раушенберга отражают энергию и темп развития массовой урбанистической и технократической культуры, в которой на смену работе художника на бумаге или холсте пришли потоки информации, передаваемой через масс-медиа посредством фотографии, компьютеров и газет.
В 1949 году Раушенберг поселился в Нью-Йорке. В 1958 году была организована его персональная выставка в галерее Кастелли, благодаря которой он стал известен; слава Раушенберга достигла апогея в 1977 году, когда он совершил турне по Америке со своей ретроспективной выставкой, открывшейся в Музее изящных искусств в Вашингтоне.
Ранние работы Раушенберга были попыткой избавиться от стереотипов «живописного метода» и возвышенных целей традиционного искусства. Например, он стер рисунок Виллема де Кунинга и выставил его под названием «Стертый де Кунинг».
В течение 1950 годов в работах Раушенберга постепенно возрастало количество реальных предметов - газетных фотографий, кусочков ткани, дерева, консервных банок, травы, чучел животных - до тех пор, пока не достигалось ощущение, что холст или вся композиция вот-вот прорвется в какой-то другой мир, странно искаженную реальность. Две ключевые работы Раушенберга - коллажи «Кровать» и «Монограмма». Первая из них представляла собой настоящую кровать Раушенберга, забрызганную краской и поставленную вертикально, как картина; второй коллаж был украшен чучелом ангорской козы.
В шестидесятые годы Раушенберг стал устраивать перфомансы, сотрудничать с инженерами и использовать различные печатные материалы; он стремился выразить сложность и многослойность существования современного индустриального общества.
В 1980 годы были опубликованы несколько альбомов фотографий Раушенберга, которые явились логическим завершением частого использования фотографического материала в коллажах и воплощением представления автора о мире как о нелепом нагромождении образов.
Он много сотрудничал с представителями других направлений в искусстве, в том числе с композитором Джоном Кейджем и хореографом Мерсом Каннингемом. В числе его наград были Гран-при Венецианской биеннале и премия "Грэмми". Работы Раушенберга хранятся во всех крупных собраниях современного искусства мира.
Живопись позволяет увидеть вещи такими, какими были они однажды, когда на них глядели с любовью.
/Поль Валери/
Номер 6. Роберт Раушенберг
Роберт Раушенберг (Robert Milton Ernest Rauschenberg, 1925-2008) родился в Порт-Артуре (штат Техас). Внук немецкого иммигранта и индианки из племени чероки.
Его отец работал на местной электростанции; семья принадлежала к фундаменталистской секте. По окончании средней школы Раушенберг обучался фармакологии в Остине (штат Техас), но уже в первом семестре бросил учебу, не прельстившись препарированием лягушек. Во время второй мировой войны Раушенберг служил братом милосердия в одной из клиник для душевнобольных.
Учился в Художественном институте в Канзас-Сити, затем в Академии Жюлиана в Париже и в колледже Блэк-Маунтин в Северной Каролине.
В 1953 Раушенберг выставил «Стертый рисунок Де Кунинга» - рисунок Виллема Де Кунинга, который Раушенберг стер. Он поднял вопрос о природе искусства, дав возможность зрителю решать, может ли стертая работа другого художника быть творческим актом, может ли быть эта работа искусством только потому, что он, Раушенберг, стер её.
Он, как и Пикассо в свое время, перепробовал все техники и стратегии актуального искусства: занимался реди-мейдами, коллажами, ассамбляжами, объектами, инсталляциями, иллюстрациями, перформансом, хореографией, шелкографией, фотографией, видео, театральными декорациями, керамикой, медиаартом, писал картины, фрески и даже музыку.
Под влиянием дадаизма создавал коллажи и произведения так называемой «комбинированной живописи», в которых абстракция объединена с изображением предметов повседневного быта. Благодаря своему стремлению увязать жизнь с искусством Раушенберг стал одним из провозвестников американского поп-арта.
Раушенберг был душой поп-артистской компании и легко находил общий язык с Джоном Кейджем, Мерсом Каннингемом и Тришей Браун. Даже с Андреем Вознесенским: в 1960-х в Нью-Йорке они вместе упражнялись в конкретной поэзии.
В течение 1950-х в работах Раушенберга постепенно возрастало количество реальных предметов – газетных фотографий, кусочков ткани, дерева, консервных банок, травы, чучел животных – до тех пор, пока не достигалось ощущение, что холст или вся композиция вот-вот прорвется в какой-то другой мир, странно искаженную реальность.
Коллаж «Кровать» (1955) - настоящая кровать Раушенберга, забрызганная краской и поставленную вертикально
В музее современного искусства в Стокгольме стоит одна из самых известных его работ "Монограмма" концептуальным элементом которой стало чучело ангорской козы
В конце 50-х появились первые так называемые «переводные рисунки»: коллажи фото из газет и рекламных плакатов, которые Раушенберг переводил на белый лист в зеркальном отражении. В замысел Раушенберга входило столкновение тривиальных, известных символов с художественными элементами картин. Первый большой трафарет, в котором скомбинированы символы американской жизни (парашютист, Джон Кеннеди), он создал в начале 60-х.
В 1961 году Раушенберг послал телеграмму в Galerie Iris Clert, в которой говорилось: «Это портрет Iris Clert, если я так утверждаю», в качестве своего вклада в выставку портретов.
В 1964 году Раушенберг стал обладателем главного приза на биеннале в Венеции. Это решение жюри вызвало бурную реакцию - Ватикан высказался об «упадке культуры»
В 1969 Раушенберг по приглашению НАСА посетил Центр космических исследований Кеннеди и создал после этого обширную серию из тридцати трех литографий под общим названием «Окаменевшая Луна». Еще через год он основал благотворительное учреждение для неимущих художников и организовал дом-мастерскую на острове Каптива неподалеку от побережья Флориды
BMW каждый год предоставляет одному художнику для росписи свой автомобиль.
Работа Раушенберга
Получил премию Грэмми за оформление ограниченного тиража альбома Speaking in Tongues группы Talking Heads.
В 1981 году начал эпохальное произведение, под которое отдан весь "Гуггенхейм Музеум эт Эйс Гэллери" - "Четверть мили или две восьмых мили": многосоставная работа, включает более 200 частей и рэди-мейдов длиной около 400 м
И хотя раньше стоимость работ Раушенберга в среднем не превышала одного миллиона долларов, в прошлом году его «комбина» «Очень быстро» ушла за $14,6 млн.
Одна из заповедей реди-мейда (ready-made), изобретенного , гласит: не обязательно создавать что-то гениальное, важно лишь доходчиво объяснить, почему это неповторимый шедевр.
Взяв за основу идею своего великого предшественника, Роберт Раушенберг (Robert Milton Ernest Rauschenberg) пошёл ещё дальше: он уничтожил работу другого художника и доказал, что это его собственное произведение искусства. А почему бы и нет?
Дело было так: в 1953 году Раушенберг продемонстрировал всем работу под названием «Стертый рисунок Де Кунинга» (Erased De Kooning Drawing). Никаких премудростей, вполне реальный карандашный набросок Виллема Де Кунинга (Willem de Kooning), который был стерт. История умалчивает, как отреагировал автор картины, но вот в народе поступок Раушенберга вызвал жаркие споры. Подобно другим великим поп-артистам, своей выходкой он поставил под сомнение саму идею традиционного искусства. Может ли стёртая работа другого художника стать полноценным творческим актом и самостоятельным произведением?
Что мы тут всё «Раушенберг» да «Раушенберг»? Сам урождённый Роберт Милтон Эрнест предпочитал, чтобы его называли просто «Боб». Нет причин отказывать великому художнику в этом удовольствии. Тем более что имя «Боб Раушенберг» стоит не только на его работах, но и в названии галереи во Флориде - Bob Rauschenberg Gallery.
Чего Бобу точно не занимать, так это энергии. За 82 года жизни, 61 из которых он посвятил творчеству, художник через что только не прошёл - от абстрактного экспрессионизма до концептуального искусства. Особую страсть он испытывал к смешению стилей и всяческим экспериментам. Подобно , Раушенберг перепробовал все, до чего только дошли руки: занимался реди-мейдом, увлекался коллажем, инсталляциями, перформансом, хореографией, шелкографией, фото- и видеосъёмкой, театральными декорациями, росписью керамики, создавал картины, фрески и даже .
Кстати, в начале своей карьеры Боб соглашался на разного рода работу - оформлял витрины в Нью-Йорке, а также костюмы и декорации для представлений. Создаётся впечатление, что Раушенберг ставил перед собой задачу попробовать всё, отдать себя миру и найти идеальную технику. Самого же себя он называл художником-универсалом.
В своих работах Боб спокойно использовал мусор и любые подручные материалы. Подобно другим представителям поп-арта, он выражал своё видение окружающего мира в шокирующих формах. Благодаря его работам, концептуальное искусство обрело новое дыхание.
Творчество Боба, да и всю его жизнь, очень легко разделить на ярко выраженные этапы. До 21 года будущий всемирно известный художник и не подозревал, что имеет огромный потенциал. Достаточно долго он планировал учиться фармакологии, но уже на первом курсе, во время потрошения внутренностей лягушки, понял, что свернул не туда. Следующие несколько лет унесла Вторая Мировая, во время которой Раушенберг служил братом милосердия в клинике для душевнобольных.
И вот, наконец, после всех этих испытаний на волю вырвался неудержимый творец и экспериментатор. В начале 50-х Роберт посвятил себя трём основным сериям работ. Первая из них - «Белая живопись» (White Paintings) - выполненные на белом фоне черные цифры и фигуры. Следующая - «Черная живопись» (Black Paintings) - в ней на полотна наклеивались обрывки скомканных газет и покрывались чёрной эмалью. И последняя - «Красная живопись» (Red Paintings) - полная абстракция в красных тонах, частично состоящая из газетных вырезок, ржавых гвоздей, потёртых и прочего мусора.
Середина 50-х запомнилась миру его «комбинированными картинами», скорее напоминающими инсталляции. Известнейшая из них - «Одалиска» (Odalisk) - состоит из мольберта, к которому прикреплены фотографии и репродукции. Стоит он на атласной подушке, а сверху восседает чучело курицы. Кстати, название дословно означает «горничная, рабыня, служанка» или девушка из гарема султана.
Следующая - «Кровать» (Bed), состоит из личного элемента меблировки Раушенберга, забрызганного краской и поставленного вертикально. Почти реди-мейд, если бы не цветовое вмешательство автора. Эта работа особенно ярко говорит о влиянии на автора дадаистов Марселя Дюшампа и Курта Швиттерса (Kurt Schwitters).
И последнее, самое парадоксальное творение этой серии - «Монограмма» (Monogram). Трудно представить, что Боб имел в виду, засовывая иммитацию барана внутрь автомобильной шины.
Конец 50-х для Роушенберга был наполнен познанием фроттажа, новой для него техники, изобретенной Максом Эрнстом (Max Ernst). Она знакома многим ещё с детства, когда мы подкладывали монетку под лист бумаги и водили сверху ребром незаточенного карандаша, чтобы рисунок проявился на листке. Конечно, не все стали великими художниками после этого, а вот Боб создал на основе этой техники целый цикл из 34 графических иллюстраций к «Божественной комедии» (La Divina Commedia) Данте Алегьери (Dante Alighieri).
В 60-х Роберт увлёкся шелкографией. Одна из самых известных его работ в этом стиле - «Путь в небо» (Skyway). Это полотно занимает более 25 м2. На него нанесены десятки фотографий, портретов и схем - лицо Джорджа Кеннеди соседствует с картиной Питера Рубенса, а схема полета на Луну - с продуктами массовой культуры XX века.
В конце 60-х Боб создал самую большую литографию из всех, что когда-либо были созданы в мире до сегодняшнего дня, и дал ей название «Помощник» (Booster). Её размер составляет 182х89 см. В основу этого шедевра положен рентгеновский снимок самого Раушенберга, наложенный на схему движения небесных тел в 1967 году. Кроме того, если приглядеться, можно увидеть в разных частях литографии прыгающего спортсмена, два сверла, стула и даже непонятный чертеж.
С началом 70-х Боб с головой ушёл в совсем другого рода искусство. В основном это был перформанс, разбавленный хэппенингами и другими небольшими театрализованными представлениями.
Кстати, известным художником Боб стал уже при жизни, хоть и не с первой попытки. Его дебютная выставка прошла в 1951 году в галерее Бетти Парсонс (Betty Parsons), однако, работы не произвели на критиков ожидаемого впечатления. Лишь через 7 лет после этого мастер получил всеобщее признание и славу.
Роберт Раушенберг вошёл в историю как один из самых знаменитых поп-арт художников, представитель абстрактного импрессионизма, концептуального искусства, реди-мейда и экспериментального творчества.
Благодаря своему вкладу в мировую культуру, он встал в один ряд с , Роем Лихтенштейном (Roy Fox Lichtenstein) и Джаспером Джонсом. Мировое признание он получил из-за своей страсти к экспериментам и поразительной плодовитости в творчестве. А в наших сердцах Боб останется человеком, который стёр рисунок другого художника.
«Освящение, если можно так выразиться, работ американского художника Раушенберга на биеннале в Венеции, даже при настоящей неразберихе в искусстве, выглядит как позорный акт. Возникает вопрос, сможет ли западное искусство оправиться после такого потрясения. Ибо мы не можем недооценить размеров оскорбления, нанесенного этим всему тому, что в наши дни еще является синонимом гармонии, серьезного творческого поиска, подлинной непреходящей ценности»
Эти ужасные слова сказал в 1964 году не какой-нибудь советский критик авангардизма вроде Михаила Лифшица или тогдашний президент Академии художеств СССР Владимир Серов. Это сказал Ален Боске**, французский поэт-сюрреалист. Он так резко высказался по поводу награждения Гран-при биеннале вот этой работы Раушенберга (1925-2008):
Исследователь
А «синонимом гармонии, серьезного творческого поиска, подлинной непреходящей ценности» для Боске был американский абстрактный экспрессионизм или его европейский аналог – ташизм, которые оба были в определенной степени наследниками любимого Боске сюрреализма и непосредственно предшествовали по времени поп-арту. Поп-арт же – а работа Раушенберга проходила на биеннале именно по этому разряду – он объявил недоделанным дадаизмом, т.е. опять сослался на близкое ему направление. Такая вот эстетическая слепота, порожденная идеологическим сектантством и ментальной непримиримостью. Эти неприятные качества авангардизма я, не щадя черных красок, хорошо обрисовал в текстах про авангардизм и постмодернизм .
К тому же Боске был не прав. Совсем мужчина от ненависти способность к спокойному, непредвзятому анализу потерял. Ну, какой же поп-арт – недоделанный дадаизм, скажите мне. Дадаизм – он программно нигилистичен по отношению ко всему, а у поп-арта отношения с этим всем гораздо сложнее, и из этой сложности - нет-нет - да и выглянет ироничное принятие всего. Что тонко мною подмечено в соответствующем тексте про поп-арт . Кроме того, так беспардонно и размашисто относить работу Раушенберга к поп-арту – некорректно, несправедливо и, в конце концов, недостойно для инсайдера***. Творчество Раушенберга больше, чем поп-арт!
Он вообще, этот Раушенберг, был весь какой-то нестандартный. Родился в Порт-Артуре, но не в китайском, а в техасском. Потомок немцев и индейцев чероки. Немцев – ладно, а вот потомков индейцев, кроме Гойко Митича, вы много знаете? Учился на фармаколога, но по медицинской части работал братом милосердия в клинике для сумасшедших - во время войны. Активно поучаствовал в создании концептуализма, но концептуалистом не стал. Опять же, был пионером поп-арта, входил в пятерку самых знаменитых поп-артистов (там помимо него: Розенквист, Лихтенштейн, Уорхол , Ольденбург), но ни один серьезный, ответственный человек безоговорочно его творчество к этому самому поп-арту не отнесет. А еще он отчаянно бисексуалил и через это рано утратил жену – ушла, не выдержала.
Художественное образование Раушенберг получил хорошее – учился в двух местах на родине и в одном в Париже. В последнем по времени – в севернокаролинском колледже «Блэк Маунтин» – он познакомился с Джоном Кейджем, крутым музыкальным авангардистом, сочинившем знаменитую трёхчастную композицию для рояля «4′33″» и придумавшем «подготовленное фортепиано» – это когда на струны набросаны болты, гвозди и прочая дребездящая при исполнении дрянь. Общение и творческое сотрудничество с этим совершенно незакомплексованным творцом сильно раскрепостило мышление Раушенберга. На рубеже 40-50-х гг. он выдает серии «Белой», «Черной» и «Красной» живописей. Я нашел только красную, с газетными наклейками, гвоздями, веревочками и другим мусором, вот она:
Красная живопись
«Черная живопись» представляла собой поверхность, на которую были пришпандорены скомканные газеты, и которая потом была покрыта черной краской. «Белая живопись» - это когда на белом фоне изображались всякие цифры и общепонятные символы. Чтобы сейчас понять замечательные смыслы, скрытые в этих работах, нужно знать, что сделаны они были в эпоху практически безраздельного господства в США абстрактного экспрессионизма. Вот в этот-то абстрактный экспрессионизм Раушенберг и вводит реальные предметы и изображения символов, т.е. интересным способом разрушает абстрактность абстракционизма. Путь, похожий на тот, что прошел его друг Джаспер Джонс .
Был у Раушенберга еще один вариант белой живописи.
Белая живопись
Но тут смысл другой. Тут произведение получалось, когда на эти белые холсты падали тени зрителей. Такой протоконцептуалистский интерактивчик.
Первая же по-настоящему знаменитая работа была сделана Раушенбергом в 1953 году.
Стертый де Кунинг
В тексте о концептуализме я уже описал все прелести этой работы, повторяться не буду.
Но настоящая gloria mundi пришла к Раушенбергу после его персоналки в галерее Лео Кастелли, на которой было выставлено то, что он называл комбинированными картинами, а Ален Боске – поп-артом.
Монограмма
На самом деле это могли быть и картины, и ассамбляжи, и объекты, и даже инсталляции. Главное тут – сочетание самых разных техник. Причем, за этими разными техниками стояли разные направления.
Кровать
Это действительно пружинный матрас с постелью, поставленный на попа и сильно попачканный краской – картина же, как без краски. Краска, здесь щедро налитая и размазанная, досталась работе от абстрактного экспрессионизма. Без него, вообще, долго в Америке не могли обойтись – это же было их первое аутентичное направление мирового уровня. Он для американских авангардистов был тем же, чем для немцев стал экспрессионизм, а для наших – русский авангард – такой гоголевской шинелью, из которой все вышло. Французам в этом смысле было сложнее определиться, больно много направлений они напридумывали. Так вот, эта абстрактно-экспрессионистическая краска здесь употреблена с достаточной степенью иронии. В классическом-то варианте она наносилась на холст, т.е. была частью вполне уважаемого произведения типа картины – холст, масло. А тут ее мажут так же, но черт знает на что.
Это черт знает что, безусловно, наследие дадаизма в виде ready-made. Интерес к этому направлению в Америке подогревался в то время тем, что осевший там еще в 30-х годах Дюшан сделал несколько повторений своих работ, в том числе и «Писсуара», и тем, что прошло несколько больших ретроспектив дадаистов. Кроме того, Раушенберг дружил с Дюшаном и всегда был готов к творческому восприятию его творческого наследия****. Таким образом, Раушенберг соорудил то, что тогда, вместе с работами Джонса, стало называться неодадаизмом, а теперь легко может быть названо протопоп-артом*****. Причем, этот неодадаизм нес в себе характернейшую составляющую будущего поп-арта – как бы позитивное, но ироничное отношение к миру.
Комбинации
Одалиск
В этой работе имеется еще игра слов – одалиска-обелиск. Одалиска – это девушка на вклейке, а обелиск – сама форма сооружения.
Более поп-артистскими произведения Раушенберга стали позже, когда он начал использовать в них символы американской жизни и поп-культуры.
Стоп
Знаки
Но полностью в поп-арт его отец-основатель так и не вписался. Каким-то больно европейским выглядит Раушенберг, особенно, когда его сравнишь с более молодыми поп-артистами – Уорхолом, Розенквистом, Лихтенштейном и Ольденбургом. Все-таки Раушенберг воплощал в себе более традиционный тип художника, главной своей целью видевшего создание уникального художественного продукта. В отличие от того же Уорхола, не только поставившего своей задачей создание массового и тиражного художественного продукта, но и перелопатившего процессы производства, продвижения и функционирования этого продукта. Это не значит, конечно, что Раушенберг хуже. Это значит только то, что он – другой.
Параллельно с созданием комбинированных картин Раушенберг продолжал укладывать булыжники в монументальное здание концептуализма. В 1961 году он откликнулся на предложение Galerie Iris Clert поучаствовать в сборной выставке портретов телеграммой с таким текстом: «Это портрет Ирис Клерт, раз я это утверждаю». Телеграмма была выставлена.
Портрет Ирис Клерт
Человеку, прочитавшему мой текст о концептуализме , хорошо видно, что в этой работе (а это – работа) Раушенберг решительно и ребром ставит вопрос о том, что такое произведение искусства. Или это то, что традиционно таковым считается – в данном случае, им стало бы честное изображение тетки по имени Ирис Клерт, или это то, что он, художник Раушенберг, назвал произведением искусства? Ответ дала история.
В наступивший, в конце концов, постмодернизм Раушенберг вписался очень хорошо, что вообще свойственно поп-артистам благодаря заложенным в поп-арте игре с разными культурными кодами, иронии, персонажности высказывания и некоторой концептуальной беспринципности в смысле отсутствия всяких иерархий. Об этой машинке я писал уже в тексте про постмодернизм, очень рекомендую.
BMW art cars.1986
Сделав самые свои знаменитые вещи и превратившись в живого классика, Раушенберг не успокаивался. Все чего-то такое мутил. То вместе с инженером Билли Клувером создавал общество «Эксперименты в искусстве и технике», в рамках которого делал такие вот вертящиеся штуки, констатирующие то ли мельтешение обильной визуальной информации в современном мире, то ли способ ее восприятия человеком.
Eco-Echo III
Или начинал активно заниматься перформансом. Или затевал глобальные выставочные проекты, с которыми доезжал даже до Москвы в 1988 году.
Умер Раушенберг в преклонном возрасте от разрыва сердца. Чего и вам желаю.
* Титул, присвоенный Раушенбергу газетой «Нью-Йорк Таймс».
** Ватикану такое награждение тоже не понравилось, и он в связи с ним заговорил об упадке культуры. Надо сказать, с тех практически незапамятных времен отношение католицизма к актуальному искусству сильно изменилось. Во всяком случае, сотрудничество актуальных художников с католическими структурами давно уже норма. Даст Бог, пройдет время, РПЦ тоже полюбит совриск (проф. – современное искусство).
*** Когда дядя Виталик узнал про высказывание А. Боске о Раушенберге, он сказал: «Не, ну он, Боске, чё, обурел в натуре». Целиком согласен.
**** Дюшану, надо сказать, поп-арт очень нравился. Он видел в нем продолжение собственных усилий и говорил о нем: «Это течение меня восхищает».
***** Иногда еще используется термин джанк-арт (от англ. junk - мусор, хлам). В последние годы в США этот арт переживает некоторое возрождение.
от /греч./ neos - новый и /фр./ dadaisme, dada которое подразумевает множество разных толкований: по /румын./ - да, да; по /франц./ - детская деревянная лошадка-качалка; по /нем./ - простодушие младенца (лепет), мамка-кормилица.
Период: середина 1950-х - 1970-е годы.
Термин "неодада" появился в 1958 году, в комментарии к статье Дж. Джонса "Цель с пятью лицами" в "Арт Ньюс". Он обозначал совокупность тенденций середины ХХ века, общим для которых был интерес к реальности и возрождение любимых приемов дадаистов: реди-мейда и . Решающую роль в этом сыграли лекции Дюшана и композитора Джона Кейджа. Они читались новому поколению художников в Блек Маунтин Колледж (Эшвилл). Помимо того, что это был новый способ сочинения, в своих опусах, которые можно определить как музыкальные реди-мейды, Кейдж использовал звуки самой реальности.
Пьеса "4′33″" ("Четыре минуты тридцать три секунды") - трёхчастное сочинение для вольного состава инструментов. Длительность произведения соответствует его названию; по частям это, начиная с первой, - 30 секунд, 2 минуты 23 секунды и 1 минута 40 секунд. На всём протяжении исполнения сочинения участники ансамбля не извлекают звуков из своих инструментов. По задумке автора содержанием каждого из трёх фрагментов являются те звуки окружающей среды, которые будут услышаны во время прослушивания композиции.
Признанные лидеры неодада, Джонс и Раушенберг, первыми восстали против форсированной стилистики абстрактного экспрессионизма. У каждого была собственная стратегия, но общим было внимание к объекту, что сделало их предшественниками нового реализма и поп-арта. Некоторые находки Неодада, впоследствии оказали влияние на концептуальное искусство и минимализм.
Описание некоторых произведений:
Джим Дайн "Автомобильная катастрофа", 1959-1960. Холст, смешанная техника. Частное собрание. Тема автокатастрофы или дорожного инцидента, воплощена в живописи, которая использует совсем не художественные материалы. В сравнении с "Катастрофой" Уорхолла, также на тему автомобильного инцидента, здесь очевидна разница между взволнованным и драматическим подходом Дайна и рассудочно холодным отношением протагониста поп-арта. Две пары мужских брюк включены в картину. С одной стороны, эти предметы указывают на отсутствующее в картине тело. В то же время, они представляют собой, ту же плотную, цветную поверхность ржавого оттенка, что и сам фон. Эта поверхность испещрена следами, затеками, граффити и многократно повторенным знаком белого креста.
Джим Дайн "Автомобильная катастрофа", 1959-1960.
Роберт Раушенберг "Кровать", 1955. Деревянная основа, полотно, лоскутное шитье, подушка, масло, карандаш. Нью-Йорк, Музей современного искусства. "Я работаю на грани искусства и жизни", - утверждал Раушенберг, обозначая собственную версию столь любимой авангардом темы. Кровать конкретизирует смысл фразы: в объекте слиты воедино живопись и повседневность. Манера выполнения - мазки и затеки краски - напоминает абстрактный экспрессионизм, но не без скрытой иронии. Теперь это не "священная" поверхность белого полотна, но "оболочка" обычных вещей: подушки, простыни, стеганые одеяла. Эти предметы отсылают к интимностям тела и сна, но, пропитанные краской и прикрепленные к основе, демонстрируются на стене. Постель привычно ассоциируется с горизонтальной поверхностью, заняв вертикальное положение, она превращается в картину. Поиски Раушенберга, небыли стеснены рамками единого стиля, им свойственно разнообразие приемов, методов и техник: монохромные протоконцептуальные работы, перформанс и живопись жеста, ассамбляж и серии шелкографий.
Загрузка...
