Самые известные британские художники. British Painters – Британские художники. Famous English Artists - Знаменитые английские художники

Живопись Англии, как и вся ее культура, отличается сдержанностью, но при этом полна сюрпризов. Художники Великобритании не настолько известны, как, например, их голландские или итальянские коллеги, но англичане, несомненно, внесли огромный вклад в развитие живописи, обогатив не менее талантливыми и интересными работами.

Выдающиеся художники Англии

Одним из самых известных художников Англии 18 века был Уильям Хогарт. Творчество этого мастера открывает новый, самостоятельный путь живописи как искусства в Великобритании. Хогарт основал национальную школу живописи, которая со временем собрала много последователей. Он также широко известен как создатель новых жанров в графике, талантливый иллюстратор и карикатурист. Картины Уильяма Хогарта пользовались большим успехом еще при его жизни, а король Георг II даже назначил его придворным живописцем. Сегодня многим известны его много серийные картины «Модный брак», «Выборы в парламент» и «Четыре стадии жестокости».

Следующими на пути развития английской живописи стоят два молодых ученика Хогарта – Рейнольдс и Лауренс. Они стали основателями портретного искусства в Англии, а Рейнольдс даже был назначен первым президентом Королевской академии художеств.

Немного позже, в середине 18 века, популярными становятся полотна с пейзажами. Самым искусным мастером в данном жанре был Томас Гейнсборо. После него в этом жанре также прославились Вилке, Лэндсир, Муррэй и другие. Одним из излюбленных материалов стала акварель, которая давала возможность создать легкие и прозрачные образы. Также особое развитие получили и батальные сюжеты ввиду участия Англии во многих войнах. Среди создателей исторической живописи стоит упомянуть о В. Кастлэке и Дж. Ромни с его знаменитой картиной «Смерть генерала Вулфа».

Направления в английской живописи

Развитие отличается от стандартной поэтапной смены стилей европейской традиции. В несколько запоздалой, но все же стремительно менявшейся истории живописи Англии нет четких границ и рамок, обозначающих начало или конец того или иного периода, точно так же здесь не найти стилей в чистом виде.

Зарождение национальной школы живописи в 17-18 веке обусловлено промышленной революцией в стране, а вот на художников-пейзажистов вместе с развитием реалистического искусства во многом повлиял значительный культурный рост английского общества в 19 веке. Вторая половина этого же столетия подарила миру творчество эпохи «Братства прерафаэлит». Члены этой организации были ярыми противниками буржуазной культуры и приверженцами искусства раннего Возрождения. Братство оказало мощное влияние на всех последующих художников, отодвинув на второй план академичность и консервативность, которую одобряла Королевская академия художеств. Это дало шанс многим молодым художникам Англии выйти за рамки привычного и начать создавать современные сюжеты, максимально приближенные к реальности, в которой они жили. Благодаря «Братству прерафаэлитов» в Англии стал развиваться символизм и модернизм – как протест против консервативного подхода Королевской академии.

Художники какой страны внесли особый вклад в развитие мировой живописи?

При таком вопросе часто вспоминают французских художников. Еще . А уж влияние и вовсе ни у кого не вызывает сомнения.

Но вот если брать 18 век и начало 19-го, то важно отметить заслуги английских художников.

В этот период в стране туманного Альбиона работает несколько ярких мастеров, которые изменили в корне мировое искусство.

1. Уильям Хогарт (1697-1764 гг.)

Уильям Хогарт. Автопортрет. 1745 г. Британская галерея Тейт, Лондон

Хогарт жил в непростое время. В начале 18 века в Англии только-только зародилось буржуазное общество, которое пришло на смену феодальному.

Моральные ценности были ещё зыбкими. На полном серьезе достоинствами считались корыстолюбие и обогащение любыми путями. Прямо как в 90-ые года 20 века в России.

Хогарт решил не молчать. А попытался открыть глаза своим соотечественникам на упадок моральных ценностей. С помощью картин и гравюр.

Начал он с серии картин «Карьера проститутки». К сожалению, живописные полотна не сохранились. Остались только гравюры.

Уильям Хогарт. Карьера проститутки: в ловушке у сводницы. Гравюра. 1732 г.

Это реальная история о деревенской девушке Мэри, которая приехала в город искать счастья. Но попала в лапы старой сводни. Эту сцену мы и видим на первой гравюре. Став содержанкой, она провела свою недолгую жизнь среди изгоев общества.

Хогарт намеренно переводил свои картины в гравюры, чтобы широко их распространять. Так он стремился достучаться до как можно большего количества людей.

Причем предостеречь он хотел не только бедных девушек, таких как Мэри. Но и аристократов. Судя по его серии работ «Модный брак».

Описанная в ней история была очень типична для того времени. Обедневший аристократ женится на дочери богатого торговца. Но это лишь сделка, не подразумевающая союза сердец.

Самая известная картина из этой серии «Тет-а-Тет» демонстрирует всю пустоту их отношений.

Уильям Хогарт. Модный брак. Тет-а-Тет. 1743 г. Национальная лондонская галерея

Жена всю ночь веселилась с гостями. А муж лишь под утро ввалился домой, опустошенный от разгула (судя по его пятну на шее, он уже болен сифилисом). Графиня небрежно подтягивается и вот-вот зевнёт. На ее лице читается полное равнодушие к мужу.

И не удивительно. Она завела интрижку на стороне. История закончится печально. Муж застанет жену в постели с любовником. И будет заколот шпагой в дуэли. Любовник будет отправлен на висилицу. А графиня покончит с собой.

Хогарт не был просто карикатуристом. Слишком высоко его мастерство. Сложные и гармоничные сочетания цветов. А ещё невероятная выразительность. Вы легко «читаете» его картины, понимая, каковы отношения между людьми.

Уильям Хогарт. Модный брак. Дуэль и смерть графа. 1743 г. Национальная лондонская галерея

Заслуги Хогарта сложно переоценить. Ведь он изобрёл критический реализм. Никто до него никогда не изображал в живописи столько конфликтов и социальных драм.

Рейнольдс не стал изобретать велосипед. Но он установил очень высокие стандарты для всех европейских художников.

3. Томас Гейнсборо (1727-1788 гг.)

Томас Гейнсборо. Автопортрет. 1758-1759 гг. Национальная портретная галерея, Лондон

Гейнсборо можно по праву назвать самым известным английским художником 18 века. Он жил в одно время с Рейнольдсом. Они были соперниками.

Разница между Рейнольдсом и Гейнсборо видна невооруженным взглядом. У первого – красные, золотые оттенки; величественные, торжественные образы.

У Гейнсборо серебристо-голубые и оливково-зеленые оттенки. А также воздушные и интимные портреты.

Томас Гейнсборо. Портрет дамы в голубом. 1778-1782 гг. , Санкт-Петербург

Все это мы видим в портрете «Дама в голубом». Никакого накала эмоций. Лишь прекрасный, нежный образ. Чтобы добиться такого эффекта, Гейнсборо работал тонкой кистью почти 2-х метровой длины!

Гейнсборо всегда считал себя в первую очередь пейзажистом. Но необходимость зарабатывать вынуждала его писать портреты на заказ. По иронии судьбы он прославился и остался в истории именно как портретист.

Но художник шёл на компромисс с самим собой. Часто изображая портретируемых на лоне природы. Соединяя ненавистный портрет и любимый пейзаж.

Томас Гейнсборо. Портрет мистера и миссис Халлет (Утренняя прогулка). 1785 г. Национальная лондонская галерея

Клиенты не могли определиться, какой из двух портретистов им больше импонируют. И аристократы заказывали портреты и у Рейнольдса, и у Гейнсборо. Они были слишком разными. Но по силе работ не уступали друг другу.

Но в отличие от Рейнольдса, его соперника привлекали ещё простые люди. С одинаковым азартом он писал и герцогиню, и простолюдинку.

Томас Гейнсборо. Девочка со свиньями. 1782 г. Частная коллекция

Его картину «Девочки с поросятами» Рейнольдс обменял у одного коллекционера на имеющуюся у него картину . Считая, что это лучшая работа его соперника.

Работы Гейнсборо неповторимы по своему качеству. Здесь и неспрятанные мазки, которые на расстоянии делают происходящее живым и дышащим.

Это и плавные, растушеванные линии. Как будто все происходит во влажном воздухе, каким он и является в Англии.

И, конечно, необычное сочетание портрета и пейзажа. Все это выделяет Гейнсборо среди множества других портретистов своего времени.

4. Уильям Блейк (1757-1827 гг.)

Томас Филлипс. Портрет Уильяма Блейка. 1807 г. Национальная портретная галерея, Лондон

Уильям Блейк был неординарной личностью. С детства его посещали мистические видения. А когда он вырос, то стал анархистом. Он не признавал законы и мораль. Считая, что так угнетается свобода человека.

Не признавал он и религии. Считая ее главным ограничителем свобод. Конечно, такие взгляды отражались на его работах. «Архитектор мира» – его резкий выпад в сторону христианства.

Уильям Блейк. Великий архитектор. Офорт, раскрашенный вручную. 36 х 26 см. 1794 г. Британский музей, Лондон

Создатель держит циркуль, вычерчивая границы для человека. Границы, через которые нельзя переступать. Делая наше мышление ограниченным, живущим в узких рамках.

Для его современников его работы были слишком неординарными, поэтому признания при жизни он так и не дождался.

Некоторые видели в его работах пророчества, грядущие потрясения. Воспринимая Блейка как блаженного, человека не в себе.

Но официально сумасшедшим Блейк никогда не признавался. Он всю жизнь плодотворно работал. Причём был мастером на все руки. Был и отменным гравёром. И гениальным иллюстратором. Создав невероятные акварели для «Божественной комедии» Данте.

Уильям Блейк. Вихрь любовников. 1824-1727 гг. Иллюстрация к «Божественной комедии» Данте

Единственое, что Блейка роднило с его эпохой, так это мода на все ужасное и сказочное. Все-таки в Англии в 19 веке были в чести романтизм и сказочные мотивы.

Поэтому его картина «Дух блохи» вполне вписывалась в общий ряд работ тех лет.

Уильям Блейк. Призрак блохи. 1819 г. Темпера, золото, дерево. 21 х 16 см. Тейт Британия, Лондон

Блейк уверял, что видел душу человека-кровопийцы. Но та была помещена в крошечную блоху. Если бы эта душа поселилась в человека, то пролилось бы немало крови.

Блейк явно родился раньше своего времени. Его работы пугающе похожи на работы символистов и сюрреалистов 20 века. Они и вспомнили об этом мастере 100 лет спустя после его смерти. Он сделался их кумиром и вдохновителем.

5. Джон Констебл (1776-1837 гг.)

Рамсей Рейнагль. Портрет Джона Констебля. 1799 г. Национальная портретная галерея, Лондон

Несмотря на аристократическую внешность, Констебль был сыном мельника. И любил работать руками. Умел пахать, строить изгороди и рыбачить. Может быть, поэтому его пейзажи лишены пафоса. Они естественны и реалистичны.

До него художники писали абстрактные пейзажи, чаще итальянские. Но Констебль писал конкретную местность. Реально существующую речку, коттедж и деревья.

Джон Констебль. Телега для сена. 1821 г. Национальная лондонская галерея

Его «Телега для сена» – самый знаменитый английский пейзаж. Именно эта работу когда-то увидела французская публика на Парижской выставке 1824 года.

Особенно были впечатлены молодые . Которые разглядели в этой картине то, к чему сами стремились. Никакой академической помпезности. Никаких античных развалин и эффектных закатов. А лишь обыденная жизнь в сельской местности. Красивая в своей естественности.

После этой выставки Констебль продал в Париже аж 20 своих картин. В родной же Англии его пейзажи почти не покупали.

Но в отличие от Гейнсборо, ради заработка он редко переключался на портреты. Продолжая совершенствоваться именно в пейзажной живописи.

Для этого он изучал природные явления с научной точки зрения. И умел подбирать оттенки очень близкие к тем, что встречаются в природе. Особенно ему удавалось небо, контрасты светлых и темных облаков.

Джон Констебль. Кафедральный собор Солсбери. Вид из епископского сада. 1826 г. Коллекция Фрика, Нью-Йорк

Но Констебль знаменит не только удивительно реалистичными картинами. Но и своими этюдами.

Художник создавал этюд того же размера, что и будущая картина. Работая прямо на открытом воздухе. Это было ноу-хау. И именно этот метод работы потом и подхватят импрессионисты.

Джон Констебл. Лодка и штормовое небо. 1824-1828 гг. Королевская Коллекция живописи, Лондон

Но Констебль по этим этюдам часто писал завершённые работы в студии. Хотя они больше нравились тогдашней публики, были они не такими живыми и полными движения, как наброски.

На Родине осознали величие Констебля лишь в 20 веке. И поныне он – один из самых любимых художников в Англии. Можно сказать, что с таким же трепетом русские относятся к .

6. Уильям Тёрнер (1775-1851 гг.)

Уильям Тернер. Автопортрет. 1799 г. Британская галерея Тейт, Лондон

Английский художник Уильям Тернер ещё в молодости сумел прославиться и стать академиком художеств. Почти сразу его стали называть «художником света». Потому что солнце часто присутствовало на его полотнах.

Если вы посмотрите пейзажи других художников, то вы редко увидите солнце. Оно слишком яркое.

Эту яркость сложно изображать. Она же бьет в глаза. Искажает все вокруг. Но Тернер этого не боялся. Рисуя солнце и в зените, и на закате. Смело обволакивая его светом все вокруг.

Уильям Тёрнер. Порт в Дьеппе. 1826 г. Коллекция Фрика, Нью-Йорк, США

Но Тернер хоть и был академиком и своим званием дорожил, не мог не экспериментировать. Слишком у него был неординарный и подвижный ум.

Поэтому уже через пару десятилетий его работы сильно эволюционировали. В них все меньше деталей. Все больше света. Все больше ощущений.

Одно из самых известных полотен того времени – «Последний рейс корабля «Отважный».

Здесь мы видим немного аллегории. Парусные корабли заменяются паровыми. Одна эпоха сменяет другую. Солнце заходит, а на его смену выходит месяц (слева вверху).

Уильям Тернер. Последний рейс корабля «Отважный». 1838 г. Национальная лондонская галерея

Здесь солнце по-прежнему главенствует. Закат занимает добрую половину картины. А уже в последующих работах художник доходит почти до абстракционизма. Гипертрофируя все свои прежние устремления. Убирая детали, оставляя лишь ощущения и свет.

Уильям Тёрнер. Утро после потопа. 1843 г. Музей Тэйт, Лондон

Как вы понимаете, публика не могла по достоинству оценить такие работы. Королева Виктория отказалась производить Тернера в рыцари. Репутация пошатнулась. Все чаще были слышны в обществе намеки на сумасшествие.

Такова доля всех настоящих художников. Он делает слишком широкий шаг вперёд. И публика «догоняет» его лишь десятилетия, а то столетия спустя. Так и случилось с великим Тернером.

7. Прерафаэлиты

Говоря об английских художниках, сложно обойти стороной прерафаэлитов. Тем более, что в 21 веке они стали очень популярны.

Откуда же взялась такая любовь к этим художникам?

Начинали прерафаэлиты с высоких целей. Они хотели найти выход из тупика академической, слишком застылой живописи. Им надоело писать малоизвестные широкой публике мифы и исторические сюжеты. Хотели показывать настоящую, живую красотку.

И прерафаэлиты начали писать женские образы. Получались они у них очень красивыми и притягательными.

Чего только стоят их рыжеволосые красавицы. Как правило, бывшие их любовницами и в реальной жизни.

Прерафаэлиты стали активно воспевать женскую красоту. В результате кроме этого в них больше ничего и не осталось.

Это стало похоже на постановочные, роскошные снимки для глянцевых журналов. Именно такие образы легко представить для рекламы женских духов.

Поэтому прерафаэлиты так пришлись по душе людям 21 века. В век гламурной, очень яркой рекламы.

Джон Эверетт Милле. Офелия. 1851 г. Тейт Британия, Лондон

Несмотря на очевидную пустоту многих работ, именно эти художники стояли у истоков развития дизайна, отколовшегося от искусства. Ведь прерафаэлиты (например, Уильям Моррис) активно работали над эскизами тканей, обоев и других украшений интерьера.

***

Надеюсь, после этой статьи английские художники открылись для вас с новой стороны. Не всегда только итальянцы и голландцы влияли на мировое искусство. Англичане тоже внесли свою ощутимую лепту.

Современные английские художники мало знакомы российским поклонникам живописи. Позвольте мне представить картины удивительного художника Раса Миллса (Russ Mills ) из Кингсбриджа, Великобритания. Его работы находятся в промежутке между городским изобразительным искусством, street art, и современной графикой.

Несмотря на довольно прогрессивную технику живописи Russ Mills отнюдь не молод. Он родился в 1952 году, в Йоркшире. Это довольно разносторонне развитая творческая личность. Рас, кроме живописи, играет в музыкальном проекте «Undark» и занимается созданием мультимедийных инсталляций, а также преподает в Королевском колледже искусств, школе искусств Глазго. По приглашению он читает лекции в других университетах Великобритании и за рубежом.
Этот современный английский сосредоточен в основном на человеческом облике, в частности лицах, переплетение с элементами из животного царства часто отражает абсурд человеческой природы. За свою долгую творческую жизнь Russ Mills работал над графическим оформление музыкальных альбомов таких знаменитостей, как Nine Inch Nails, Roger Eno, Japan, Harold Budd and Brian Eno, David Sylvian, Michael Brook и The Overload. Его графические работы можно использовать. как картины для интерьера музыкальных клубов, баров и даже офисов. Их экспрессивность и динамика будут великолепно подчеркивать интерьер помещения, в котором непрестанно кипит жизнь.

Выставка «Слишком человеческое: Бэкон, Фрейд и век жизненной живописи» в лондонскойсобрала работы художников XX века, работавших в Англии в разные периоды своей жизни. Ее посвятили теме отображения в живописи личных, порой самых интимных переживаний уже ставших классиками авторов.

Прологом к экспозиции стала известная фраза : «Я хочу, чтобы краска работала как плоть» . В ней суть его собственного сверхчувственного отношения к живописи и к изображенным объектам. Подкрепляют ее две знаменитые фрейдовские работы - вязкий маслянистый портрет приятеля-травести художника Ли Бауэри, обнаженного и беспомощного, сидящего в кресле, за несколько лет до смерти и, напротив, реалистичная и почти прозрачная, но не менее интимная «Девушка с белой собакой» из собственного собрания Tate.

Другой британский герой, вынесенный в название, - во многих своих работах также использовал своих друзей и близких для изображения любовных страстей и кризисов, персональных радостей и печалей.

А ретроспективный взгляд кураторов на изображение частной жизни художественных героев начинается еще в начале прошлого века, когда авангардистские течения, захлестнувшие Европу, начали проникать и в английскую школу. Здесь Уолтер Сикерт соседствует с , уже с . Ну а далее в более чем сотне работ экспозиция идет вплоть до звезд наших дней -от до Линетт Йиадом-Боакье.

Stanley Spencer
«Patricia Preece»
1933
Southampton City Art Gallery, Hampshire
© The Estate of Stanley Spencer/Bridgeman Images

Lynette Yiadom-Boakye
«Coterie Of Questions»
2015
Private collection
Courtesy Corvi-Mora, London and Jack Shainman Gallery, New York
© Lynette Yiadom-Boakye

Джозеф Тернер

Джозеф Тернер - великий английский пейзажист - родился в Ковент-Гардене в Лондоне, 23 апреля 1775 года. Он был сыном модного в то время парикмахера. Еще мальчиком он начал рисовать. Его отец продавал рисунки мальчика своим посетителям. Таким образом он зарабатывал деньги, которые шли на оплату его уроков по искусству. В возрасте 14 лет он поступил в школу при Королевской Академии. Его рисунки акварелью выставлялись в Королевской Академии с тех пор, как ему исполнилось пятнадцать. В 18 лет он создал свою собственную студию. Вначале он работал акварелью, а потом маслом. В период между 1802 - 1809 годами Тернер нарисовал серию морских пейзажей, среди них - «Солнце, восходящее в тумане». Шедеврами этого периода считаются: «Женевское озеро», «Морозное утро», «Пересекая ручей» и другие. В 1819 году Тернер вернулся из своей первой поездки по Италии. Во время поездки он создал около 1500 рисунков и в следующем году под впечатлением увиденного нарисовал серию картин. Тернер был мастером воздуха и ветра, дождя и солнечного света, горизонта, кораблей и моря. Контуры его пейзажей растворялись в игре света и теней, в этом он был предшественником французских импрессионистов. За всю свою жизнь Тернер нарисовал сотни картин и тысячи акварелей и рисунков. После его смерти коллекция его картин, согласно завещанию, перешла в Национальную Галерею и Галерею Тейт.

Томас Гейнсборо

Томас Гейнсборо был мастером английской школы живописи. Он рисовал портреты и пейзажи. Он родился в Садбери в 1727 году и был сыном купца. Его отец отправил его в Лондон учиться живописи. Он провел 8 лет в Лондоне, работая и получая образование. Там он познакомился с фламандской традиционной школой живописи. В его портретах преобладают зеленый и голубой цвета. Он был первым английским художником, изобразившим природу и сельскую местность Великобритании. Он изобразил стог сена, бедный дом, крестьян-бедняков. Его пейзажи наполнены поэзией и музыкой. Его лучшие работы - «Голубой мальчик», «Портрет герцогини Бофер», «Сара Сиддонс» и другие. Важным открытием Гейнсборо стало создание им такой формы живописи, где действующие лица и пейзаж составляют единое целое. Пейзаж не является всего лишь фоном, но в большинстве случаев человек и природа сливаются в одно целое в атмосфере гармонии настроений. Гейнсборо подчеркивал, что естественным фоном для действующих лиц должна быть сама природа. Его работы, выполненные в четких и прозрачных тонах, имели значительное влияние на художников английской живописи. Он был впереди своего времени. Его искусство стало предвестником Романтического движения.

Джон Констебл

Джон Констебл, один из известнейших пейзажистов, родился в Саффорде, 11 июня 1776 года. Он был сыном состоятельного мельника. Он начал интересоваться живописью еще в начальной школе. Его отец не одобрил искусство как профессию. Мальчиком Костебл работал тайком, рисуя в доме художника-любителя. Его интерес к живописи убедил отца отправить его в 1795 году в Лондон, где он начал изучать живопись. В 1799 году Констебл поступил в школу при Королевской Академии в Лондоне. Он был первым из пейзажистов, кто считал, что необходимо делать зарисовки с натуры, то есть работать на открытом воздухе. Мастерство Констебля развивалось постепенно. Он начал зарабатывать на жизнь, рисуя портреты. Его сердце никогда не лежало к этому, и поэтому он не достиг популярности. Констебл был реалистом. На своих полотнах он изображал крупный рогатый скот, лошадей и людей, работающих там. Он рисовал блестящие от росы луга, искры солнца в каплях дождя и суровые грозовые тучи. Самые известные работы Констебля - «Мельница у Флатфорда», «Белая лошадь», «Воз сена», «Мост Ватерлоо», «Со ступеней Уайтхолла» и другие. В Англии Констебл не получил признания, которое ожидал по праву. Французы первые публично признали Констебля. Его влияние на зарубежные школы живописи было громадно. Констебля можно по праву признать основателем пейзажного жанра.

Перевод на английский:

Joseph Turner, the greatest English romantic landscape painter, was born in Covent Garden, London, on the 23rd of April in 1775. He was the son of a fashionable barber. He started drawing and painting as a small boy. His father used to sell the boy’s drawings to his customers. In such a way he earned money which his father paid for his lessons in art. At the age of 14 he entered the Royal Academy School. His water-colours were exhibited at the Royal Academy from the time he was fifteen. At 18 he had set up his own studio. Turner worked at first in water-colours, then in oils. Between 1802 and 1809 Turner painted a series of sea-pieces, among them «Sun Rising in Mist». The masterpieces of this period are «The Lake of Geneva», «Frosty Morning», «Crossing the Brook», etc. In 1819 Turner got out on his first visit to Italy. During the journey he made about 1500 drawings and in next few years he painted a series of pictures inspired by what he had seen. Turner was the master of the air and wind, rain and sunshine, horison, ships and sea. He dissolved the forms of his landscape in the play of light and shade, he anticipated the work of French Impressionist paintings. During his life Turner painted some hundreds of paintings and some thousands of water-colours and drawings. On his death Turner’s own entire collection of paintings and drawings was willed to the nation and they are in the National and the Tate Galleries.

Thomas Gainsborough

Thomas Gainsborough was a master of English school of painting. He was a portraitist and a landscape painter. He was born in Sudbury in 1727 and was the son of a merchant. His father sent him to London to study arts. He spent 8 years working and studying in London. There he got acquainted with the Flemish traditional school of painting. In his portraits green and blue colours predominate. He was the first British painter who painted British native countryside. He painted a wagon of hay, a poor cottage, poor peasants. His works of landscape contain much poetry and music. His best works are «Blue Boy», «The Portrait of the Duchess of Beaufort», «Sara Siddons» and others. The particular discovery of Gainsborough was the creation of a form of art in which the characters and the background form a single unity. The landscape is not kept in the background, but in most cases man and nature are fused in a single whole through the atmospheric harmony of mood. Gainsborough emphasized that the natural background for his characters should be nature itself. His works, painted in clear and transparent tones, had a considerable influence on the artists of the English school. He was in advance of his time. His art became a forerunner of the Romantic Movement.