Тем временем это особенная, достойная более детального изучения область европейской культуры, в которой отражается самобытная жизнь народа Голландии тех времен.
История появления
Яркие представители художественного искусства стали появляться в стране в семнадцатом веке. Французские культурологи дали им общее название - «малые голландцы», которое не связано с масштабами талантов и обозначает привязанность к определенным темам из повседневной жизни, противоположным «большому» стилю с крупными полотнами на исторические или мифологические сюжеты. История возникновения голландской живописи была подробно описана в девятнадцатом веке, и авторы работ о ней тоже пользовались этим термином. «Малые голландцы» отличались светским реализмом, обращались к окружающему миру и людям, использовали живопись, богатую тонами.
Основные этапы развития
История возникновения голландской живописи может быть разделена на несколько периодов. Первый длился приблизительно с 1620 по 1630 годы, когда в национальном искусстве произошло утверждение реализма. Второй период голландская живопись переживала в 1640-1660 гг. Это время, на которое приходится настоящий расцвет местной художественной школы. Наконец, третий период, время, когда голландская живопись начала приходить в упадок - с 1670 до начала восемнадцатого века.
Стоит отметить, что культурные центры на протяжении этого времени менялись. В первом периоде ведущие художники работали в Харлеме, а главным представителем был Халса. Затем центр сместился в Амстердам, где наиболее значимые работы выполнили Рембрандт и Вермеер.
Сцены повседневной жизни
Перечисляя самые важные жанры голландской живописи, обязательно нужно начать с бытового - наиболее яркого и самобытного в истории. Именно фламандцы открыли миру сценки из бытовой жизни обычных людей, крестьян и горожан или бюргеров. Первопроходцами стали Остаде и его последователи Ауденрогге, Бега и Дюсарт. На ранних полотнах Остаде люди играют в карты, ссорятся и даже дерутся в трактире. Каждую картину отличает динамичный, в чем-то брутальный характер. Голландская живопись тех времен рассказывает и про мирные сцены: на некоторых работах крестьяне беседуют за трубкой и кружкой пива, проводят время на ярмарке или в кругу семьи. Влияние Рембрандта привело к распространенному использованию мягкой светотени золотистого цвета. Городские сцены вдохновляли таких художников, как Халс, Лейстер, Моленар и Кодде. В середине семнадцатого века мастера изображали врачей, ученых в процессе работы, собственные мастерские, хлопоты по дому или Каждый сюжет должен был занимательным, иногда до гротеска дидактичным. Некоторые мастера были склонны поэтизировать будни, например, Терборх изображал сцены музицирования или флирта. Метсю использовал яркие краски, превращая повседневность в праздник, а де Хох вдохновлялся простотой семейной жизни, залитой рассеянным дневным светом. Поздние представители жанра, к которым относятся такие голландские мастера живописи, как Ван дер Верф и Ван дер Нер, в своем стремлении к элегантному изображению часто создавали несколько претенциозные сюжеты.
Природа и ландшафты
Кроме того, голландская живопись широко представлена в жанре пейзажа. Он впервые зародился в творчестве таких мастеров Харлема, как ван Гойен, де Молейн и ван Рейсдал. Именно они начали изображать сельские уголки в определенном серебристом свете. Материальное единство природы выходило в работах на первый план. Отдельно стоит упомянуть морские пейзажи. Маринистами были такие 17 века, как Порселлис, де Влигер и ван де Капелле. Они не столько стремились передать определенные морские сцены, сколько старались изобразить саму воду, игру света на ней и в небе.
Ко второй половине семнадцатого века в жанре возникли более эмоциональные произведения с философскими идеями. Максимально раскрыл красоту голландского пейзажа Ян ван Рейсдал, изобразивший его во всем драматизме, динамике и монументальности. Продолжателем его традиций стал Хоббем, предпочитавший солнечные ландшафты. Конинк изображал панорамы, а ван дер Нер занимался созданием ночных пейзажей и передачей лунного света, восхода и заката. Для ряда художников также характерно изображение в пейзажах животных, например, пасущихся коров и лошадей, а также охоты и сценок с кавалеристами. Позднее художники начали увлекаться и иностранной природой - Бот, ван Лар, Веникс, Берхем и Хаккерт изображали Италию, купающуюся в лучах южного солнца. Зачинателем жанра стал Санредам, лучшими последователями которого можно назвать братьев Беркхейде и Яна ван дер Хейдена.
Изображение интерьеров
Отдельным жанром, которым отличалась голландская живопись в период расцвета, можно назвать сценки с церковными, дворцовыми и домашними комнатами. Интерьеры появились в полотнах второй половины семнадцатого века у мастеров Делфта - Хаукгеста, ван дер Влита и де Витте, который стал главным представителем направления. Используя техники Вермеера, художники изображали сценки, залитые солнечным светом, полные эмоций и объема.
Живописные яства и посуда
Наконец, еще один характерный жанр голландской живописи - натюрморт, в особенности изображение завтраков. Впервые им занялись харлемцы Клас и Хеда, которые рисовали накрытые столы с роскошной посудой. Живописный беспорядок и особая передача уютного интерьера наполнены серебристо-серым светом, характерным для серебряной и оловянной посуды. Утрехтские художники рисовали пышные цветочные натюрморты, а в Гааге мастерам особенно удавалось изображение рыб и морских гадов. В Лейдене возникло философское направление жанра, при котором с символами чувственного удовольствия или земной славы соседствуют черепа и песочные часы, призванные напоминать о скоротечности времени. Демократичные кухонные натюрморты стали отличительной чертой художественной школы Роттердама.
«Бюргерское» барокко в голландской живописи XVII в. – изображение повседневности (П. де Хох, Вермеер). «Роскошные» натюрморты Кальфа. Групповой портрет и его особенности у Хальса и Рембрандта. Интерпретация мифологических и библейских сюжетов Рембрандтом.
Голландское искусство XVII века
В XVII в. Голландия стала образцовой капиталистической страной. Она вела обширную колониальную торговлю, у нее был мощный флот, кораблестроение было одной из ведущих отраслей промышленности. Протестантизм (кальвинизм как его наиболее суровая форма), вытеснивший полностью влияние католической церкви, привел к тому, что духовенство в Голландии не имело такого влияния на искусство, как во Фландрии и тем более в Испании или Италии. В Голландии церковь не играла роли заказчика произведений искусства: храмы не украшались алтарными образами, ибо кальвинизм отвергал всякий намек на роскошь; протестантские церкви были просты по архитектуре и никак не украшены внутри.
Главное достижение голландского искусства XVIII в. - в станковой живописи. Человек и природа были объектами наблюдения и изображения голландских художников. Бытовая живопись становится одним из ведущих жанров, создатели которого в истории получили наименование «малых голландцев». Живопись на евангельские и библейские сюжеты представлена также, но далеко не в таком объеме, как в других странах. В Голландии никогда не было связей с Италией и классическое искусство не играло такой роли, как во Фландрии.
Овладение реалистическими тенденциями, сложение определенного круга тем, дифференциация жанров как единый процесс находят завершение к 20-м годам XVII в. Историю голландской живописи XVII в. прекрасно демонстрирует эволюция творчества одного из крупнейших портретистов Голландии Франса Халса (около 1580-1666). В 10-30-х годах Халс много работает в жанре группового портрета. С полотен этих лет смотрят жизнерадостные, энергичные, предприимчивые люди, уверенные в своих силах и в завтрашнем дне («Стрелковая гильдия св. Адриана», 1627 и 1633;
«Стрелковая гильдия св. Георгия», 1627).
Индивидуальные портреты Халса исследователи иногда называют жанровым в силу особой специфичности изображения. Эскизная манера Халса, его смелое письмо, когда мазок лепит и форму, и объем и передает цвет.
В портретах Халса позднего периода (50-60-е годы) исчезает беззаботная удаль, энергия, напор в характерах изображенных лиц. Но именно в поздний период творчества Халс достигает вершины мастерства и создает наиболее глубокие произведения. Колорит его картин становится почти монохромным. За два года до смерти, в 1664 г., Халс снова возвращается к групповому портрету. Он пишет два портрета - регентов и регентш приюта для престарелых, в одном из которых сам нашел приют в конце жизни. В портрете регентов нет духа товарищества прежних композиций, модели разобщены, бессильны, у них мутные взгляды, опустошение написано на их лицах.
Искусство Халса имело огромное значение для своего времени, оно оказало воздействие на развитие не только портрета, но и бытового жанра, пейзажа, натюрморта.
Пейзажный жанр Голландии XVII столетия особенно интересен. изображают Голландию Ян ван Гойен (1596-1656) и Саломон ван Рейсдал (1600/1603-1670).
Расцвет пейзажной живописи в голландской школе относится к середине XVII в. Крупнейшим мастером реалистического пейзажа был Якоб ван Рейсдал (1628/29-1682), Его произведения обычно исполнены глубокого драматизма, изображает ли он лесные чащи («Лесное болото»),
ландшафты с водопадами («Водопад») или романтический пейзаж с кладбищем («Еврейское кладбище»).
Природа у Рейсдала предстает в динамике, в вечном обновлении.
В тесной связи с голландским пейзажем находится анималистический жанр. Излюбленный мотив Альберта Кейпа - коровы на водопое («Закат на реке», «Коровы на берегу ручья»).
Блестящего развития достигает натюрморт. Голландский натюрморт - это в отличие от фламандского скромные по размерам и мотивам картины интимного характера. Питер Клас (около 1597- 1661), Биллем Хеда (1594-1680/82) чаще всего изображали так называемые завтраки: блюда с окороком или пирогом на относительно скромно сервированном столе. «Завтраки» Хеды сменяются роскошными «десертами» Калфа. На смену простой утвари приходят мраморные столы, ковровые скатерти, серебряные кубки, сосуды из перламутровых раковин, хрустальные бокалы. Калф достигает поразительной виртуозности в передаче фактуры персиков, винограда, хрустальных поверхностей.
В 20-30-х годах XVII в. голландцы создали особый тип небольшой мелкофигурной картины. 40-60-е годы - расцвет живописи, прославляющей спокойный бюргерский быт Голландии, размеренное повседневное существование.
Адриан ван Остаде (1610-1685) изображает поначалу теневые стороны быта крестьянства («Драка»).
С 40-х годов в его творчестве сатирические ноты все чаще сменяются юмористическими («В деревенском кабачке», 1660).
Иногда эти маленькие картины окрашены большим лирическим чувством. По праву шедевром живописи Остаде считается его «Живописец в мастерской» (1663), в котором художник прославляет творческий труд.
Но главной темой «малых голландцев» является все-таки не крестьянский, а бюргерский быт. Обычно это изображения без какой-либо увлекательной фабулы. Самым занимательным рассказчиком в картинах такого рода был Ян Стэн (1626-1679) («Гуляки», «Игра в трик-трак»). Еще большего мастерства достиг в этом Герард Терборх (1617- 1681).
Особую поэтичность у «малых голландцев» приобретает интерьер. Настоящим певцом этой темы стал Питер де Хох (1629-1689). Его комнаты с полуоткрытым окном, с брошенными ненароком туфлями или оставленной метлой часто изображены без человеческой фигуры.
Новый этап жанровой живописи начинается в 50-е годы и связан с так называемой делфтской школой, с именем таких художников, как Карель Фабрициус, Эммануэль де Витте и Ян Вермер, известный в истории искусства как Вермер Делфтский (1632-1675). картины Вермера как будто ни в чем не оригинальны. Это те же изображения застылого бюргерского быта: чтение письма, беседующие кавалер и дама, служанки, занятые нехитрым хозяйством, виды Амстердама или Делфта. Эти несложные по действию картины: «Девушка, читающая письмо»,
«Кавалер и дама у спинета»,
«Офицер и смеющаяся девушка» и т. д. - полны душевной незамутненности, тишины и покоя.
Главные достоинства Вермера-художника - в передаче света и воздуха. Растворение предметов в свето-воздушной среде, умение создать эту иллюзию прежде всего определило признание и славу Вермера именно вXIX в.
Вермер делал то, чего никто не делал в XVII в.: он писал пейзажи с натуры («Улочка», «Вид Делфта»).
Их можно назвать первыми образцами пленэрной живописи.
Вершиной голландского реализма, итогом живописных достижений голландской культуры XVII столетия является творчество Рембрандта. Харменс ван Рейн Рембрандт (1606-1669) родился в Лейдене. В 1632 г. Рембрандт уезжает в Амстердам, центр художественной культуры Голландии, который, естественно, привлекал молодого художника. 30-е годы - время наивысшей славы, путь к которой открыла для живописца большая заказная картина 1632 г. - групповой портрет, известный еще как «Анатомия доктора Тулпа», или «Урок анатомии».
В 1634 г. Рембрандт женится на девушке из богатой семьи - Саскии ван Эйленборх. Начинается самый счастливый период его жизни. Он становится знаменитым и модным художником.
Весь этот период овеян романтикой. Ярче всего мироощущение Рембрандта этих лет передает известный «Автопортрет с Саскией на коленях» (около 1636). Откровенной радостью жизни, ликованием пронизано все полотно.
Язык барокко наиболее близок выражению приподнятого настроения. И Рембрандт в этот период во многом находится под влиянием итальянского барокко.
В сложных ракурсах предстают перед нами персонажи картины 1635 г. «Жертвоприношение Авраама». Композиция в высшей степени динамична, построена по всем правилам барокко.
В эти же 30-е годы Рембрандт впервые серьезно начинает заниматься графикой, прежде всего офортом. Офорты Рембрандта - это в основном библейские и евангельские сюжеты, но в рисунке, как истинно голландский художник, он часто обращается и к жанру. На рубеже раннего периода творчества художника и его творческой зрелости предстает перед нами одно из самых знаменитых его живописных произведений, известное как «Ночной дозор» (1642) - групповой портрет стрелковой роты капитана Баннинга Кока.
Он расширил рамки жанра, представив скорее историческую картину: по сигналу тревоги отряд Баннинга Кока выступает в поход. Одни спокойны, уверенны, другие возбуждены в ожидании предстоящего, но на всех лежит выражение общей энергии, патриотического подъема, торжества гражданского духа.
Групповой портрет под кистью Рембрандта перерос в героический образ эпохи и общества.
Картина уже так потемнела, что ее считали изображением ночной сцены, отсюда ее неправильное название. Тень, ложащаяся от фигуры капитана на светлую одежду лейтенанта, доказывает, что это не ночь, а день.
Со смертью Саскии в этом же 1642 году происходит естественный разрыв Рембрандта с чуждыми ему патрицианскими кругами.
40-50-е годы - это пора творческой зрелости. Он часто в этот период обращается к прежним произведениям, чтобы их переделать по-новому. Так было, например, с «Данаей», которую он написал еще в 1636 г. Обратившись к картине в 40-е годы, художник усилил эмоциональное состояние.
Он переписал заново центральную часть с героиней и служанкой. Придав Данае новый жест поднятой руки, он сообщил ей большую взволнованность, выражение радости, надежды, призыва.
В 40-50-е годы неуклонно растет рембрандтовское мастерство. Он выбирает для трактовки наиболее лирические, поэтичные стороны человеческого бытия, то человеческое, которое извечно, всечеловечно: материнскую любовь, сострадание. Наибольший материал ему дает Священное Писание, а из него - сцены жизни святого семейства, Рембрандт изображает простой быт, простых людей, как в полотне «Святое семейство».
Последние 16 лет - наиболее трагические годы жизни Рембрандта; он разорен, не имеет никаких заказов. Но эти годы полны потрясающей по силе творческой активности, в результате которой созданы живописные образы, исключительные по монументальности характеров и одухотворенности, произведения глубоко философские. Даже небольшие по размеру произведения Рембрандта этих лет создают впечатление необыкновенного величия и истинной монументальности. Цвет приобретает звучность и интенсивность. Его краски как будто излучают свет. Портреты позднего Рембрандта сильно отличаются от портретов 30-х и даже 40-х годов. Эти предельно простые (поясные или поколенные) изображения людей, близких художнику своим внутренним строем. Наибольшей тонкости характеристик Рембрандт достиг в автопортретах, которых дошло до нас около ста. Завершающим в истории группового портрета было изображение Рембрандтом старейшин цеха суконщиков - так называемые «Синдики» (1662), где скупыми средствами Рембрандт создал живые и вместе с тем разные человеческие типы, но главное, сумел передать ощущение духовного союза, взаимопонимания и взаимосвязей людей.
В годы зрелости (в основном в 50-е годы) Рембрандт создал свои лучшие офорты. Как офортист, он не знает равных в мировом искусстве. Во всех них образы имеют глубокий философский смысл; они повествуют о тайнах бытия, о трагизме человеческой жизни.
Он много занимается рисованием. Рембрандт оставил после себя 2000 рисунков. Это и этюды с натуры, эскизы для картин и подготовки для офортов.
В последней четверти XVII в. начинается упадок голландской живописной школы, потеря ее национальной самобытности, а с начала XVIII столетия наступает конец великой эпохи голландского реализма.
Подробности Категория: Изобразительное искусство и архитектура конца XVI-XVIII веков Опубликовано 06.02.2017 15:37 Просмотров: 2499В нашей статье речь пойдёт о двух художниках: Яне ван Гойене и Якобе ван Рёйсдале .
Они оба жили в эпоху освобождения Голландии от чужеземного ига, и это был Золотой век голландской живописи. Именно в искусстве Голландии начали развиваться следующие жанры: портрет, пейзаж, бытовой жанр, натюрморт. Подобного тогда не наблюдалось даже в выдающихся центрах искусства – в Италии или Франции. Искусство Голландии XVII в. стало своеобразным феноменом в художественном мире Европы XVII в. Голландские мастера проложили путь, по которому пошли художники других национальных европейских художественных школ.
Ян ван Гойен (1596-1656)
Терборх «Портрет ван Гойена» (ок. 1560)
Ян ван Гойен принадлежит к числу первых художников, изображавших природу естественно, просто, без украшательства. Он является создателем национального голландского пейзажа. Природа его страны дала ему достаточно сюжетов на всю его жизнь.
Ян ван Гойен родился в 1596 г. в городе Лейдене в семье сапожника.
Хотя Ян ван Гойен провел в молодости некоторое время в Париже, но во Франции любовь к простому пейзажу была неизвестна, поэтому вряд ли стоит говорить о каком-то влиянии на его творчество представителей французской живописи.
В своем отечестве у него было несколько учителей живописи, но только в мастерской Исаии ван де Вельде он провёл год, с остальными же наставниками он общался ещё меньше.
Ян ван Гойен «Пейзаж с дюнами» (1630-1635). Музей истории искусств (Вена)
Творчество
Сначала Гойен писал голландские деревни или окрестности с их растительностью, потом в его картинах стали преобладать прибрежные виды, где бо́льшую часть картин занимали небо и вода.
Ян ван Гойен «Вид на реку» (1655). Маурицхёйс (Гаага)
Деревья, хижины или городские строения играют в его картинах второстепенную роль, но имеют очень живописный вид, так же, как и небольшие парусные и гребные суда с фигурами рыбаков, кормчих и пассажиров.
Картины Гойена преимущественно монотонны. Художник любил простоту колорита, но при этом его краски гармоничны. Краски он накладывал легким слоем.
Ян ван Гойен «Вид на Мерведе под Дордрехтом (ок. 1645). Рейксмузей (Амстердам)
Поздние работы художника отличаются практически монохромной палитрой, а просвечивающийся грунт придаёт им особую глубину и неповторимое очарование.
Ян ван Гойен «Пейзаж с двумя дубами» (1641). Рейксмузей (Амстердам)
Картины его приятны именно своей простотой и реалистичностью. Художник создал довольно много художественных полотен, но не всегда его труд вознаграждался достойным образом. Поэтому Гойену приходилось подрабатывать и другими способами: он торговал тюльпанами, занимался оценкой и продажей произведений искусства, недвижимости, земельных участков. Но попытки предпринимательства обычно не приводили к успеху.
Ян ван Гойен «Зимняя сцена на льду»
Теперь же его творчество оценено по достоинству, и любой музей считает его картины ценными экспонатами.
Несколько картин Яна ван Гойена находятся и в Эрмитаже: «Вид р. Маас, близ Дортрехта», «Схевенингенский берег, близ Гааги», «Зимний ландшафт», «Вид на р. Маас», «Деревенский вид», «Пейзаж с дубом» и др.
Ян ван Гойен «Пейзаж с дубом»
Кроме живописи, Гойен занимался офортом (разновидность гравюры на металле) и рисунком.
В 1632 г. Гойен вместе с семьёй переехал в Гаагу, где прожил до конца жизни – до 1656 г.
Якоб ван Рёйсдал (1628/1629-1682)
Якоб Исаакс ван Рёйсдал родился и умер в Харлеме (Нидерланды). Точных его портретов не сохранилось. Данный портрет – лишь предположительный.
В настоящее время Рёйсдала считают наиболее значительным нидерландским художником-пейзажистом, но при жизни его талант не был оценён в должной мере. Его учителем мог быть родной дядя – художник Соломон ван Рёйсдал.
Рёйсдал был также практикующим хирургом, работал в Амстердаме.
Творчество
Художник через пейзаж умело передавал человеческие эмоции. И для него был важен любой компонент пейзажа: склонившаяся от порыва ветра ветка дерева, примятая травинка, грозовое облако, протоптанная тропинка... И все эти компоненты гармонично соединялись в его картинах в единую ПРИРОДУ.
Он писал маленькими мазками. Любил писать лесные чащи, болота, водопады, маленькие нидерландские города или деревни, и над всем этим – торжествующее небо. Пейзажи Рёйсдала понятны любому человеку любой национальности, потому что в них выражено общее для всех людей единение с природой.
Рёйсдал создал около 450 картин. В других источниках указывается количество 600. Большинство его пейзажей посвящены природе родных Нидерландов, но он писал и дубовые леса Германии, и водопады Норвегии.
Культура Голландии 17 века
Победа буржуазной революции в Северных Нидерландах привела к образованию самостоятельного государства - Республики семи соединенных провинций - Голландии (по названию самой значительной из этих провинций); впервые в одной из стран Европы установился буржуазно-республиканский строй. Движущими силами революции были крестьяне и беднейшие слои городского населения, но ее завоеваниями воспользовалась буржуазия, пришедшая к власти.
Освобождение от гнета испанского абсолютизма и католической церкви, уничтожение ряда феодальных ограничений открыли пути бурному росту производительных сил республики, которая, но словам Маркса, «была образцовой капиталистической страной XVII столетия» Только в Голландии в те времена городское население преобладало над сельским, но главным источником прибылей была не промышленность (хотя здесь были развиты текстильное производство и особенно судостроение), а посредническая торговля, расширявшаяся благодаря колониальной политике. По мере обогащения правящих классов росла нищета трудящихся, разорялись крестьяне и ремесленники, к середине 17 века обострились классовые противоречия.
Однако в первые десятилетия после установления республики были живы демократические традиции революционной поры. Широта национально- освободительного движения, подъем самосознания народа, радость освобождения от иноземного ига объединили самые различные слои населения. В стране сложились условия для развития наук и искусства. Здесь находили убежище передовые мыслители того времени - в частности французский философ Декарт, сформировалась материалистическая в своей основе философская система Спинозы. Высочайших достижений добились художники Голландии, такие живописцы как Рембрандт, Рейсдал, Терборх, Халс, Хоббема, Хонтхорст и многие другие мастера живописи. Голландские художники первые в Европе были освобождены от давящего влияния придворных кругов и католической церкви и создавали искусство демократическое и реалистическое, непосредственно отражающее социальную действительность.
Голландская живопись 17 века
Отличительной чертой развития голландского искусства было значительное преобладание среди всех его видов живописи. Картины украшали дома не только представителей правящей верхушки общества, но и небогатых бюргеров, ремесленников, крестьян; они продавались на аукционах и ярмарках; подчас художники использовали их как средство уплаты по счетам. Профессия художника не являлась редкостной, живописцев было очень много, и они жестоко конкурировали между собой. Мало кто из них мог прокормить себя живописью, многие брались за самые разные работы: Стен был трактирщиком, Хоббема - акцизным чиновником, Якоб ван Рейсдал - врачом.
Бурное развитие голландской живописи в 17 веке объяснялось не только спросом на картины тех, кто хотел украсить ими свое жилище, но и взглядом на них как на товар, как на средство наживы, источник спекуляции. Избавившись от непосредственного заказчика - католической церкви или влиятельного мецената-феодала,- художник всецело оказывался в зависимости от запросов рынка. Вкусы буржуазного общества предопределяли пути развития голландского искусства, и художники, выступавшие наперекор им, отстаивавшие свою самостоятельность в вопросах творчества, оказывались изолированными, безвременно погибали в нужде и одиночестве. Причем это были, как правило, самые талантливые мастера. Достаточно назвать имена Хальса и Рембрандта.
Главным объектом изображения для голландских художников была окружающая действительность, никогда ранее не находившая столь полного отображения в произведениях живописцев других национальных школ. Обращение к самым различным сторонам жизни приводило к укреплению реалистических тенденций в живописи, ведущее место в которой заняли бытовой жанр и портрет, пейзаж и натюрморт. Чем правдивее, глубже отражали художники открывающийся перед ними реальный мир, тем более значительными были их произведения.
В каждом жанре существовали свои ответвления. Так, например, среди пейзажистов были маринисты (изображавшие море), живописцы, предпочитавшие виды равнинных мест или лесные чащи, были мастера, специализировавшиеся на зимних пейзажах и на пейзажах с лунным светом: среди жанристов выделялись художники, изображавшие крестьян, бюргеров, сцены пирушек и домашнего быта, сцены охоты и рынков; были мастера церковных интерьеров и различных видов натюрмортов - «завтраков», «десертов», «лавок» и т. п. Сказались черты ограниченности голландской живописи, сужавшей для ее создателей число решаемых задач. Но вместе с тем сосредоточение каждого из художников на определенном жанре способствовало отточенности мастерства живописца. Только самые крупные из голландских художников работали в различных жанрах.
Становление реалистической голландской живописи проходило в борьбе с итальянизирующим направлением и маньеризмом. Представители этих направлений каждый по-своему, но чисто внешне заимствовали приемы итальянских художников, глубоко чуждые традициям национальной голландской живописи. На раннем этапе становления голландской живописи, охватывающем 1609-1640 годы, реалистические тенденции ярче проявлялись в портрете и бытовом жанре.
Пейзаж Голландии
Принципы голландского реалистического пейзажа складывались на протяжении первой трети 17 века. Вместо условных канонов и идеализированной, придуманной природы в картинах мастеров итальянизирующего направления создатели реалистического пейзажа обратились к изображению действительной природы Голландии с ее дюнами и каналами, домиками и селениями. Они не только запечатлели характер местности со всеми приметами, создавая типические мотивы национального пейзажа, но стремились передать атмосферу времени года, влажный воздух и пространство. Это способствовало развитию тональной живописи, подчинению всех компонентов картины единому тону.
Одним из крупнейших представителей голландского реалистического пейзажа был Ян ван Гойен (1596--1656). Он работал в Лейдене и Гааге. Излюбленные мотивы художника Яна ван Гойена в его небольших по размерам пейзажах: долины и водная гладь широких рек с городами и селениями на их берегах в серые, пасмурные дни. Много места (примерно две трети картины) Ян ван Гойен оставлял небу с клубящимися облаками, насыщенными влагой. Такова картина «Вид реки Вааль у Неймегена» (1649, Москва, Государственный музей изобразительного искусства имени А. С. Пушкина), выдержанный в тонкой коричнево-серой гамме красок.
Особый вид пейзажа с изображением животных, пастбищ с коровами, овцами создал Пауль Поттер (1625-1654). Прекрасно изучив повадки животных, художник часто давал их крупным планом, тщательно выписывая фактуру каждого материала, мягкой шерсти, мельчайшие подробности. Таковы картины «Бык» (1647, Гаага, Маурицхейс), «Собака на цепи» (Санкт-Петербург, Эрмитаж).
Голландский натюрморт
Наряду с пейзажной живописью значительное распространение получил в Голландии 17 века натюрморт, отличавшийся интимным характером. Голландские художники выбирали для своих натюрмортов самые разнообразные предметы, умели их прекрасно скомпоновать, выявить особенности каждого предмета и его внутреннюю жизнь, неразрывно связанную с жизнью человека.
Голландские живописцы 17 века Питер Клас (около 1597 - 1661) и Виллем Хеда (1594-1680/1682) писали многочисленные варианты «завтраков», изображая на столе окорока, румяные булочки, ежевичные пироги, хрупкие стеклянные бокалы, наполовину наполненные вином, с удивительным мастерством передавая цвет, объем, фактуру каждого предмета. Недавнее присутствие человека ощутимо в беспорядке, случайности расположения только что служивших ему вещей. Но этот беспорядок лишь кажущийся, так как композиция каждого натюрморта строжайше продумана и найдена. Сдержанная серовато-золотистая, оливковая тональная гамма объединяет предметы и придает особую звучность тем чистым цветам, которые подчеркивают свежесть только что разрезанного лимона или мягкий шелк голубой ленточки.
Со временем «завтраки» мастеров натюрморта, живописцев Класа и Хеды уступают место «десертам» голландских художников Абрахама ван Бейерена (1620/1621-1690) и Виллема Кальфа (1622-1693). Натюрморты Бейерена строги по композициям, эмоционально насыщены, красочны. Виллем Кальф на протяжении всей жизни писал в свободной манере и демократические «кухни» - кастрюли, овощи и аристократические по подбору изысканных драгоценных предметов натюрморты, полные сдержанного благородства, словно насыщенные внутренним горением красок серебряные сосуды, кубки, раковины.
В дальнейшем развитии натюрморт идет теми же путями, что и все голландское искусство, утрачивающее демократизм, свою одухотворенность и поэзию, свое обаяние. Натюрморт превращается в украшение жилища высокопоставленных заказчиков. При всей декоративности и мастерстве исполнения поздние натюрморты предвосхищают закат голландской живописи.
Социальное перерождение, известная аристократизация голландской буржуазии в последней трети 17 столетия порождают тенденцию к сближению с эстетическими воззрениями французского дворянства, приводят к идеализации художественных образов, их измельчанию. Искусство теряет связи с демократической традицией, утрачивает реалистическую основу и вступает в полосу длительного упадка. Сильно истощенная в войнах с Англией, Голландия утрачивает свое положение великой торговой державы и крупнейшего художественного центра.
Искусство Франции 17 века
Во французском искусстве 17 столетия нашли наиболее полное отражение представления о человеке и его месте в обществе, порожденные временем формирования в Европе централизованных монархий. Классическая страна абсолютизма, обеспечившего рост буржуазных отношений, Франция переживала экономический подъем и стала могущественной европейской державой. Борьба за национальное объединение против феодального своеволия и анархии способствовала укреплению высокой дисциплины разума, чувства ответственности личности за свои поступки, интереса к государственным проблемам. Философ Декарт разработал теорию воли, провозгласив господство человеческого разума. Он призывал к самопознанию и завоеванию природы, рассматривая мир как разумно организованный механизм. Рационализм стал характерной чертой французской культуры. К середине 17 столетия сложился общенациональный литературный язык - в нем утверждались принципы логической ясности, точности и чувство меры. В творчестве Корнеля и Расина достигла апогея французская классическая трагедия. В своих драмах Мольер воссоздавая «человеческую комедию». Франция переживала расцвет национальной культуры, не случайно Вольтер назвал 17 век «великим».
Французская культура 17 столетия формировалась в условиях утверждения абсолютизма. Однако ее многообразие и противоречивость определили широкое движение за национальное объединение. В ней находили живые отклики острые социальные конфликты, сопровождавшие рождение нового общества. Крестьянские и городские восстания, крупное демократическое движение парламентской Фронды сотрясали в первой половине 17 столетия основы государства. На этой почве рождались утопии, мечты об идеальном обществе, основанном на законах разума и справедливости, и вольнодумная критика абсолютизма. Развитие французского искусства 17 века прошло два этапа, совпадающих с первой и второй половиной столетия.
Искусство Западной Европы 18 века
Восемнадцатый век в Западной Европе - последний этап длительного перехода от феодализма к капитализму. В середине века завершился процесс первоначального накопления капитала, велась борьба во всех сферах общественного сознания, созревала революционная ситуация. Позднее она привела к господству классических форм развитого капитализма. На протяжении века совершалась гигантская ломка всех общественных и государственных устоев, понятий и критериев оценки старого общества. Возникла цивилизованная общественность, появилась периодическая печать, образовались политические партии, шла борьба за эмансипацию человека от оков феодально-религиозного миросозерцания.
В изобразительном искусстве возрастало значение непосредственно реалистического отображения жизни. Расширилась сфера искусства, оно становилось активным выразителем освободительных идей, наполнялось злободневностью, боевым духом, обличало пороки и нелепости не только феодального, но и нарождающегося буржуазного общества. Оно выдвинуло и новый положительный идеал ничем не скованной личности человека, свободного от иерархических представлений, развивающего индивидуальные способности и вместе с тем наделенного благородным чувством гражданственности. Искусство становилось общенациональным, обращалось не только к кругу утонченных ценителей, но к широкой демократической среде.
| Изобразительному искусству XVIII столетия в лучших произведениях свойственны анализ тончайших переживаний человека, воспроизведение нюансов чувств и настроений. Интимность, лиризм образов, но и аналитическая наблюдательность (иногда беспощадная) - характерные черты искусства XVIII в. как в жанре портрета, так и в бытовой живописи. Эти особенности художественного восприятия жизни являются вкладом XVIII столетия в развитие мировой художественной культуры, хотя следует признать, что достигнуто это было ценой утраты универсальной полноты в изображении духовной жизни, цельности в воплощении эстетических воззрений общества, свойственных живописи Рубенса, Веласкеса, Рембрандта, Пуссена. | |
Основные тенденции социального и идейного развития Западной Европы 18 века в различных странах проявляли себя неравномерно. Если в Англии промышленный переворот, совершившийся в середине 18 столетия, закрепил компромисс буржуазии и дворянства, то во Франции антифеодальное движение имело более массовый характер и готовило буржуазную революцию. Общим для всех стран был кризис феодализма, его идеологии, формирование широкого общественного движения - Просвещения, с его культом первичной нетронутой Природы и Разума, ее оберегающего, с его критикой современной испорченной цивилизации и мечтой о гармонии благостной природы и новой демократической цивилизации, тяготеющей к естественному состоянию.
Восемнадцатый век - век Разума, всеразрушающего скепсиса и иронии, век философов, социологов, экономистов; развивались связанные с техникой точные естественные науки, география, археология, история, материалистическая философия. Вторгаясь в умственный обиход эпохи, научные знания создали и для искусства фундамент точного наблюдения и анализа действительности. Просветители провозгласили целью искусства подражание природе, но природе упорядоченной, усовершенствованной (Дидро, А. Поп), очищенной разумом от пагубного воздействия рукотворной цивилизации, созданной абсолютистским режимом, общественным неравенством, праздностью и роскошью. Рационализм философско-эстетической мысли 18 века, однако, не подавлял свежести и искренности чувства, но порождал устремленность к соразмерности, изяществу, гармонической завершенности художественных явлений искусства, начиная с архитектурных ансамблей и кончая прикладным искусством. Просветители придавали огромное значение в жизни и искусстве чувству - средоточию благороднейших устремлений человечества, чувству, жаждущему целеустремленного действия, заключающего в себе силу, революционизирующую жизнь, чувству, способному возродить исконные добродетели «естественного человека» (Дефо, Руссо, Мерсье), следующего естественным законам природы.
Афоризм Руссо «Человек велик только своими чувствами» выражал одну из примечательных сторон общественной жизни 18 столетия, породившей углубленный утонченный психологический анализ в реалистическом портрете и жанре, поэзией чувств проникнуты лирический пейзаж (Гейнсборо, Ватто, Берне, Робер) «лирический роман», «поэмы в прозе» (Руссо, Прево, Мариво, Фильдинг, Стерн, Ричардсон), она достигает высшего выражения в подъеме музыки (Гендель, Бах, Глюк, Гайдн, Моцарт, оперные композиторы Италии). Героями художественных произведений живописи, графики, литературы и театра 18 века стали, с одной стороны, «малые люди» - люди, как все, поставленные в обычные условия эпохи, не избалованные достатком и привилегиями, подверженные обыкновенным естественным движениям души, довольствующиеся скромным счастьем. Художников и писателей в них восхищали искренность, наивная непосредственность души, близкая природе. С другой стороны, в центре внимания - идеал эмансипированного цивилизованного интеллектуального человека, порожденного просветительской культурой, анализ его индивидуальной психологии, разноречивых душевных состояний и чувств с их тонкими оттенками, нечаянными порывами и рефлектирующими настроениями.
Острая наблюдательность, утонченная культура мысли и чувства характерны для всех художественных жанров 18 века. Художники стремились запечатлеть разнообразные в оттенках обыденные жизненные ситуации, самобытные индивидуальные образы, тяготели к занимательным повествованиям и феерической зрелищности, острым конфликтным действиям, драматическим интригам и комедийно построенным фабулам, утонченному гротеску, буффонаде, грациозным пасторалям, галантным празднествам.
Новые проблемы были выдвинуты и в архитектуре. Уменьшилось значение церковного строительства, и возросла роль гражданской архитектуры, изысканно простой, обновленной, освобожденной от излишней импозантности. В некоторых странах (Франция, Россия, отчасти Германия) решались проблемы планировки городов будущего. Рождались архитектурные утопии (графические архитектурные пейзажи - Джованни Баттиста Пиранези и так называемая «бумажная архитектура»). Становились характерными тип частного, обычно интимного жилого дома и городские ансамбли общественных зданий. Вместе с тем в искусстве 18 века по сравнению с предшествующими эпохами снизились синтетическое восприятие и полнота охвата жизни. Нарушилась былая связь монументальной живописи и скульптуры с архитектурой, в них усилились черты станковизма и декоративности. Предметом особого культа стало искусство быта, декоративных форм. Вместе с тем возросло взаимодействие и взаимообогащение различных видов искусства, достижения, обретенные одним видом искусства, свободнее использовались другими. Так, было весьма плодотворным влияние театра на живопись и музыку.
Искусство 18 века прошло два этапа. Первый продолжался до 1740-1760 годов. Он характеризуется видоизменением поздних форм барокко в декоративный стиль рококо. Своеобразие искусства первой половины 18 века - в сочетании остроумного и насмешливого скептицизма и изысканности. Это искусство, с одной стороны, утонченное, анализирующее нюансы чувств и настроений, устремленное к изящной интимности, сдержанному лиризму, с другой стороны, тяготеющее к «философии наслаждения», к сказочным образам Востока - арабов, китайцев, персов. Одновременно с рококо развивалось реалистическое направление - у некоторых мастеров оно приобрело острообличительный характер (Хогарт, Свифт). Открыто проявлялась борьба художественных направлений внутри национальных школ. Второй этап связан с углублением идеологических противоречий, ростом самосознания, политической активности буржуазии и народных масс. На рубеже 1760-1770-х годов. Королевская Академия во Франции выступила против искусства рококо и пыталась возродить парадный, идеализирующий стиль академического искусства конца 17 века. Галантный и мифологический жанры уступили место историческому с сюжетами, заимствованными из римской истории. Они были призваны подчеркивать величие утратившей авторитет монархии в соответствии с реакционным истолкованием идей «просвещенного абсолютизма». Представители передовой мысли обратились к наследию античности. Во Франции граф де Кейлюс открыл научную эру исследований в этой области («Собрание древностей», 7 томов, 1752-1767). В середине 18 века немецкий археолог и историк искусств Винкельман («История искусства древности», 1764) призывал художников вернуться к «благородной простоте и к спокойному величию древнего искусства, несущего в себе отражение свободы греков и римлян эпохи республики». Французский философ Дидро нашел в античной истории сюжеты, обличающие тиранов, призывающие к восстанию против них. Возник классицизм, противопоставивший декоративности рококо естественную простоту, субъективному произволу страстей - познание закономерностей реального мира, чувство меры, благородство мысли и поступков. Художники впервые изучали древнегреческое искусство на вновь открытых памятниках. Провозглашение идеального, гармоничного общества, примат долга над чувством, пафос разума - общие черты классицизма 17 и 18 веков. Однако классицизм 17 века, возникший на почве национального объединения, развивался в условиях расцвета дворянского общества. Для классицизма 18 века характерна антифеодальная революционная направленность. Он был призван объединить прогрессивные силы нации для борьбы с абсолютизмом. За пределами Франции классицизм не имел революционного характера, которым он отличался в первые годы французской революции.
Одновременно с классицизмом, испытывая его воздействие, продолжало жить реалистическое направление. В нем наметились рационалистические тенденции: художники стремились обобщать жизненные явления.
Во второй половине 18 века зародился сентиментализм с его культом чувства и страсти, преклонением перед всем простым, наивным, искренним. Возникло и связанное с ним предромантическое направление в искусстве, пробудился интерес к средневековью и народным формам искусства. Представители этих течений утверждали ценность благородных и активных чувств человека, раскрывали драматизм его конфликтов с окружающей средой, побуждавших к вмешательству в реальные общественные дела во имя торжества справедливости. Они прокладывали путь «к познанию человеческого сердца и магическому искусству представлять глазам зарождение, развитие и крушение великой страсти» (Лессинг) и выражали назревавшую потребность в искусстве взволнованном, патетическом.
Искусство 19 века
На протяжении 19 века капитализм становится господствующей формацией не только в Европе, но и на других континентах. Именно в этот период резко обостряется борьба двух культур - прогрессивной демократической и реакционной буржуазной. Выражая передовые идеи времени, реалистическое искусство 19 века утверждало эстетические ценности действительности, воспевало красоту реальной природы и человека труда. От предшествующих веков реализм 19 века отличался тем, что непосредственно отражал в искусстве основные противоречия эпохи, социальные условия жизни людей. Критические позиции определили основу метода реалистического искусства 19 века. Его наиболее последовательным воплощением было искусство критического реализма - наиболее ценный вклад в художественную культуру эпохи.
Неравномерно развивались различные области культуры 19 века. Высочайших вершин достигает мировая литература (Виктор Гюго, Оноре Бальзак, Анри Стендаль, Федор Достоевский, Лев Толстой), музыка (Иоганн Бетховен, Фредерик Шопен, Рихард Вагнер). Что касается архитектуры и прикладного искусства, то после подъема, определившего стиль ампир, оба эти вида искусства переживают кризис. Происходит распад монументальных форм, стилевого единства как целостной художественной системы, охватывающей все виды искусства. Наиболее полное развитие получают станковые формы живописи, графика и отчасти скульптура, тяготеющая в лучших проявлениях к монументальным формам.
При национальном своеобразии в искусстве любой капиталистической страны усиливаются общие черты: критическая оценка явлений жизни, историзм мышления, то есть более глубокое объективное понимание движущих сил общественного развития как прошлых исторических этапов, так и современности. Одно из главных завоеваний искусства 19 века - разработка исторической тематики, в которой впервые раскрывается роль не только отдельных героев, но и народных масс, конкретнее воссоздается историческая среда. Широкое распространение получают все виды портрета, бытовой жанр, пейзаж с ярко выраженным национальным характером. Расцвет переживает сатирическая графика.
С победой капитализма главной заинтересованной силой в ограничении и подавлении реалистических и демократических тенденций искусства становится крупная буржуазия. Творения передовых деятелей европейской культуры Констебла, Гойи, Жерико, Делакруа, Домье, Курбе, Мане часто подвергались гонениям. Выставки заполнялись вылощенными работами так называемых салонных художников, то есть занимавших господствовавшее место в художественных салонах. В угоду вкусам и запросам буржуазных заказчиков они культивировали поверхностное описательство, эротические и развлекательные мотивы, дух апологетики буржуазных устоев и милитаризма.
Еще в 1860-х годах Карл Маркс заметил, что «капиталистическое производство враждебно известным отраслям духовного производства, например искусству и поэзии». Искусство интересует буржуазию главным образом либо как выгодное вложение средств (коллекционирование), либо как предмет роскоши. Конечно же, встречались коллекционеры с истинным пониманием искусства и его назначения, но это были единицы, исключения из правил. В целом же, выступая законодателем вкусов и основным потребителем искусства, буржуазия навязывала художникам свое ограниченное понимание искусства. Развитие массового широкого производства с его обезличенностью, расчетом на рынок влекло за собой подавление творческого начала. Разделение труда в капиталистическом производстве культивирует одностороннее развитие личности, лишает сам труд творческой цельности. Говоря о враждебности капитализма искусству, Маркс и Энгельс не имели в виду вообще невозможность художественного прогресса в 19-20 веках. Основоположники научного коммунизма давали в своих трудах высокую оценку завоеваниям, например, критического реализма 19 века.
Демократическая линия искусства, раскрывающая роль народа как движущей силы истории и утверждающая эстетические ценности демократической культуры нации, проходит ряд этапов развития. На первом этапе, от Великой Французской революции 1789-1794 годов до 1815 года (времени национально-освободительной борьбы народов против наполеоновской агрессии), эксплуататорская сущность буржуазного общества не была еще полностью осознана. Демократическое искусство формируется в борьбе с пережитками дворянской художественной культуры, а также с проявлениями ограниченности буржуазной идеологии. Высшие достижения искусства в это время были связаны с революционным пафосом народных масс, веривших в победу идеалов свободы, равенства и братства. Это период расцвета революционного классицизма и зарождения романтического и реалистического искусства.
Второй этап, от 1815 до 1849 года, приходится на время утверждения капиталистического строя в большинстве стран Европы. В передовом демократическом искусстве этого этапа свершается переход к решительной критике эксплуататорской сущности буржуазного общества. Это период наивысшего расцвета революционного романтизма и сложения искусства критического реализма.
С обострением классовых противоречий между буржуазией и пролетариатом, достигающих апогея во время Парижской коммуны (1871), еще сильнее обозначается антагонизм между реакционной буржуазной и демократической культурами. В конце 19 века критика капиталистического уклада как в литературе, так и в произведениях изобразительного искусства ведется с позиций крепнущего мировоззрения революционного пролетариата.
Похожая информация.
Завоевав победу в борьбе с Испанией за свою независимость, буржуазная Голландия стала самым экономически развитым государством в Западной Европе. Главный голландский город Амстердам определился как один одним из крупнейших торговых центров Европы.
Вместе с экономикой развивается и голландская живопись. В отличие от других западноевропейских стран в Голландии не пользовались популярностью барочные росписи дворцов и замков - слабость дворянства служила препятствием к развитию декоративного искусства. Кальвинистская церковь Голландии также не стремилась украсить свои храмы произведениями живописи.
Тем не менее, живопись в Голландии процветала: художники получали многочисленные заказы от частных лиц. Повесить в своем жилище небольшую картину могли даже голландские крестьяне - настолько дешево стоили эти творения художников.
В XVII в. в маленькой Голландии работало свыше двух тысяч художников. Они поставили производство картин на поток, производили полотна целыми партиями и сдавали их продавцам. Почти каждый мастер за неделю исполнял от двух до пяти композиций.
Нередко производство картин опережало спрос, поэтому, чтобы прокормиться, художникам приходилось одновременно заниматься другой работой. Такие знаменитые мастера, как Я. Стен, М. Гоббема, Я. ван Гойен и многие другие, одновременно были служащими, садоводами, содержателями трактиров.
Обычно живописцы специализировались на одной определенной теме. Например, Х. Аверкамп писал зимние виды, Э. ван дер Пул изображал ночные пожары, Г. Терборх и Г. Метсю - бытовые сцены, П. Клас и В. К. Хеда - натюрморты-завтраки.
Очень часто художники коллективно работали над одной картиной: один рисовал небо, другой - траву и деревья, третий - человеческие фигуры. Самые удачные работы, имевшие успех у публики, копировались и служили образцом для создания бесчисленных вариантов.
Хотя искусство талантливых живописцев и было подчинено коммерческим целям, мастерам обычно удавалось избежать фальши. Большинство этих полотен отличаются реалистичностью, цельностью и ясностью композиции, свежестью колорита и прекрасной техникой исполнения.
Широкое распространение в голландской живописи получил портретный жанр. Большую роль в жизни страны играли различные организации (стрелковое общество, группы представителей корпорации медиков и торговых цехов), способствовавшие появлению группового общественного портрета.
Многолетняя борьба с испанскими колонизаторами обострила чувство национального самосознания, поэтому в живописи, помимо реализма, особенно приветствовалось изображение характерных национальных черт. Художники писали море и корабли, скот, цветы. Кроме портрета, развивались такие жанры, как пейзаж, натюрморт. Существовала и религиозная живопись, но в ней отсутствовал элемент мистицизма; библейские сюжеты представлялись
художником скорее как бытовые сцены.
Франс Халс
Франс Халс родился около 1581 г. в Антверпене в семье ткача. В юношеском возрасте он приехал в Харлем, где и жил почти безвыездно до самой смерти (в 1616 г. он посетил Антверпен, а в середине 1630-х гг. - Амстердам). О жизни Халса известно немногое. В 1610 г. он вошел в гильдию Св. Луки, а в 1616 г. - в камеру риторов (актеров-любителей).
Очень быстро Халс стал одним из самых известных портретистов Харлема. В XV-XVI вв. в живописи Нидерландов существовала традиция писать портреты лишь представителей правящих кругов, известных людей и художников. Искусство Халса глубоко демократично: на его портретах мы можем увидеть аристократа, зажиточного горожанина, ремесленника и даже человека из самых низов. Художник не пытается идеализировать изображаемых, главное для него - их естественность и неповторимость. Его вельможи держат себя так же раскованно, как и представители низших слоев общества, которые на картинах Халса изображены жизнерадостными людьми, не лишенными чувства собственного достоинства.
Большое место в творчестве живописца занимает групповой портрет. Лучшими работами этого жанра стали портреты офицеров стрелковой роты Св. Георгия (1627) и стрелковой роты Св. Адриана (1633). Каждый персонаж на картинах имеет свою яркую индивидуальность, и в то же время эти произведения отличаются целостностью.
Халс писал также заказные портреты, на которых в непринужденных позах размещены состоятельные бюргеры и их семьи («Портрет Исаака Массы», 1626; «Портрет Хетхейсена», 1637). Образы Халса живые и динамичные, кажется, что люди на портретах разговаривают с невидимым собеседником или же обращаются к зрителю.
Яркой выразительностью и непосредственностью отличаются представители народной среды на портретах Халса. В изображениях уличных мальчишек, рыбаков, музыкантов, посетителей кабаков чувствуется симпатия и уважение автора. Замечательна его «Цыганка». Удивительно живой кажется улыбающаяся молодая женщина, лукавый взгляд которой направлен на невидимого зрителям собеседника. Халс не идеализирует свою модель, но образ веселой, растрепанной цыганки восхищает своим задорным очарованием.
Очень часто портреты Халса включают элементы жанровой сцены. Таковы изображения детей, поющих или играющих на музыкальных инструментах («Поющие мальчики», 1624-1625). В таком же духе исполнена знаменитая «Малле Баббе» (начало 1630-х), представившая известную в Харлеме содержательницу харчевни, которую посетители за глаза называли харлемской ведьмой. Художник почти гротескно изобразил женщину с огромной пивной кружкой и совой на плече.
В 1640-х гг. в стране намечаются признаки перелома. Прошло всего несколько десятилетий после победы революции, а буржуазия уже перестала быть прогрессивным классом, опирающимся на демократические традиции. Правдивость живописи Халса больше не привлекает богатых заказчиков, которые хотят видеть себя на портретах лучше, чем они есть на самом деле. Но Халс не отказался от реализма, и его популярность резко упала. В живописи этого периода появляются ноты печали и разочарования («Портрет мужчины в широкополой шляпе»). Строже и спокойнее становится его палитра.
В возрасте 84 лет Халс создает два своих шедевра: групповые портреты регентов (попечителей) и регентш приюта для престарелых (1664). Эти последние работы голландского мастера отличаются эмоциональностью и яркой индивидуальностью образов. От изображений регентов - стариков и старух - веет печалью и смертью. Это ощущение подчеркивает и колорит, выдержанный в черных, серых и белых тонах.
Умер Халс в 1666 г. в глубокой бедности. Его правдивое, жизнеутверждающее искусство оказало большое влияние на многих голландских художников.
Рембрандт
В 1640-1660-е гг. живопись Голландии переживала расцвет. Самым значительным художником этого времени был Рембрандт.
Рембрандт Харменс ван Рейн родился в 1606 г. в Лейдене. Его отцом был зажиточный мельник. Родители мечтали о хорошем образовании для сына и определили его в латинскую школу, после окончания которой Рембрандт поступил в лейденский университет. Но юношу привлекало искусство. Он оставил университет и начал учиться у живописца Якова Сванненбурха. Через три года молодой художник отправился в Амстердам, где стал брать уроки у Питера Ластмана.
В 1624 г. Рембрандт вернулся в Лейден. Здесь он вместе с живописцем Яном Ливенсом снял мастерскую. Художник много работает с натуры, пишет не только в мастерской, но и на улице и на городском базаре.
В конце 1620-х гг. Рембрандт завоевал популярность у жителей Лейдена. У него появилось множество заказов и первый ученик - Герард Доу, позднее ставший довольно известным живописцем.
Ранние картины Рембрандта характеризуются тщательностью композиции, добросовестностью исполнения. В то же время им свойственна некоторая скованность («Мучение св. Себастьяна», 1625).
В 1631 г. Рембрандт поселился в Амстердаме. Слава о нем очень быстро разнеслась по городу, и на живописца посыпались заказы. Удачно складывалась и личная жизнь Рембрандта: в 1634 г. он женился на Саскии ван Эйленбург, девушке из известной буржуазной семьи. Брак принес художнику значительное состояние, которое обеспечило ему творческую независимость и позволило заняться коллекционированием произведений искусства и антиквариата.
Рембрандт наслаждался счастьем в обществе любимой жены, которую он много раз изображал на портретах. Нередко Саския служила моделью и для картин с самой разнообразной тематикой («Флора», 1634; «Автопортрет с Саскией на коленях», ок. 1639).
Творчество Рембрандта в этот период отличается многообразием, он пишет исторические, мифологические и религиозные композиции, портреты, бытовые сцены, пейзажи, натюрморты, картины с изображениями животных. Но главный объект его внимания - человек. Не только в портретах, но и в других своих работах художник стремится передать характер и внутренний мир своих героев.
Замечательный мастер портретного жанра, только в 1630-е гг. Рембрандт исполнил более шестидесяти заказных портретов. Главное для живописца - не внешнее сходство с моделью, а глубина внутреннего мира, сила душевных движений и переживаний. С восторгом был встречен современниками групповой портрет «Анатомия доктора Тульпа» (1632). Художник внес в традиционную композицию классического группового портрета изменения, расположив фигуры не в ряд, как это было принято, а свободно. Такое построение придало изображению живость и естественность.
В конце 1630-х гг. Рембрандт стал самым известным мастером в Голландии. К этому периоду относится его шедевр - знаменитая «Даная» (1636), мастерство исполнения которой превосходит все, что было создано современниками
художника. Поражает совершенство ее композиции и богатство цветовой гаммы, выдержанной в золотистых оттенках. Кажется, что в этом произведении нет ничего лишнего, каждая его деталь тщательно продумана автором. С помощью свободного и живого мазка мастер передает легкость покрывала, складки тяжелых занавесей и драпировок. Поражает гибкая пластика молодой женщины, лежащей на кровати, нежно-золотистые оттенки тела, озаренного мягким светом. Хотя Даная не блещет идеальной красотой, ее образ восхищает зрителя живым очарованием и свежестью.
В 1630-х гг. художник много работает и в офорте. Его привлекают бытовые мотивы («Продавец крысиного яда», 1632). Элементы жанровости присущи и работам с библейской тематикой («Возвращение блудного сына», 1636). Один из лучших офортов этого периода - «Смерть Марии» (1639), эмоциональный и проникнутый чувством глубокой скорби. Сложностью композиции и монументальным величием образов отличается и замечательное произведение «Христос, исцеляющий больных» (т. н. «Лист в сто гульденов» - это название говорит о стоимости произведения).
В 1640-е гг. Рембрандт становится самым знаменитым и наиболее высокооплачиваемым живописцем Амстердама. Ему заказывают портреты, композиции для дворца голландского штатгальтера в Гааге. Множество начинающих художников стремятся учиться в его мастерской. Слава об искусстве Рембрандта выходит за пределы Голландии. Несколько картин знаменитого мастера хранится во дворце английского короля Карла I.
Талант Рембрандта проявился в его реалистичных и выразительных натюрмортах («Туша быка») и пейзажах («Пейзаж с мельницей», ок. 1650). Тонкий лиризм присущ непритязательным голландским ландшафтам, поражающим зрителя своей почти осязаемой реальностью.
Смерть любимой жены в 1642 г. отдалила Рембрандта от ее знатной родни. Художник перестал общаться и со своими знакомыми из аристократического общества. Перемены в жизни мастера отразились и на его живописи, которая становится более глубокой и сосредоточенной. Если ранние работы Рембрандта отличаются спокойным и ровным настроем, то теперь в его картинах начинают звучать ноты тревоги и сомнения. Изменяется и палитра, в которой доминируют красные и золотистые оттенки.
Яркой выразительностью отличается полотно «Давид и Ионафан» (1642, Эрмитаж, Санкт-Петербург), исполненное в золотисто-розовых и золотисто-голубых тонах.
Все эти новые черты в живописи Рембрандта не встретили понимания у современников. Недовольство вызвала большая монументальная композиция «Ночной дозор» (1642). Это название картина получила в XIX в. На самом деле действие происходит не ночью, а днем, при солнечном освещении, что подтверждает характер теней.
Со временем краски потемнели, и лишь реставрация, проведенная в 1946-1947 гг., показала, что цветовая гамма этого произведения была когда-то гораздо светлее.
На картине изображены стрелки роты капитана Баннинга Кока. Заказчик ожидал увидеть традиционный парадный портрет (сцену пирушки или представления зрителю командиром своих подчиненных). Рембрандт же создал ге-
роико-историческое полотно, изображающее выступление стрелков по приказу капитана. Персонажи взволнованны и динамичны; командир отдает распоряжения, знаменосец поднимает вверх знамя, барабанщик бьет в барабан, стрелки заряжают оружие. Здесь же крутится непонятно откуда взявшаяся маленькая девочка с петухом у пояса.
В эти годы в жизни Рембрандта появляется Хендрикье Стоффельс, сначала служанка, а затем и жена, ставшая его верной подругой и помощницей. Художник по-прежнему много работает. Он создает свое известное «Святое семейство» (1645), в котором религиозная тема трактуется как жанровая. Наряду с библейскими композициями, живописец исполняет реалистичные пейзажи с изображениями деревни («Зимний вид», 1646). Его портреты этого периода отличаются стремлением показать индивидуальные черты моделей.
В 1650-е гг. число заказов значительно уменьшается. Рембрандт испытывает большие материальные трудности. Ему грозит полное разорение, ведь до сих пор не выплачен долг, связанный с покупкой дома еще при жизни первой жены Саскии. В 1656 г. художник был объявлен несостоятельным, а его коллекция произведений искусства и все имущество были распроданы с аукциона. Семье Рембрандта пришлось переехать в бедный еврейский квартал Амстердама.
Несмотря на все невзгоды, талант великого живописца не иссякает. Но теперь критерий его мастерства совершенно иной. В поздних работах Рембрандта красочные мазки резко проступают на поверхности холста. Теперь цвета в его картинах служат не только для передачи внешнего облика героев и изображения интерьера - именно колорит берет на себя смысловую нагрузку произведения. Так, ощущение напряженного драматизма в картине «Ассур, Аман и Эсфирь» (1660) создается посредством сложной тональной гаммы и особых световых эффектов.
Лишенный заказов, живущий в глубокой бедности, Рембрандт не перестает писать. Он создает выразительные и одухотворенные портреты, моделями для которых служат родственники и друзья («Портрет жены брата художника», 1654; «Портрет старика в красном», 1652-1654; «Портрет сына Титуса за чтением», 1657; «Портрет Хендрикье Стоффельс у окна», ок. 1659).
Сын Титус, получивший наконец состояние своей умершей матери, пытается оградить отца от материальных лишений и создать ему условия для спокойной работы. Но несчастья продолжают преследовать художника: в 1663 г. умирает Хендрикье, а через несколько лет за ней последовал Титус.
Именно в это трагическое время старый одинокий художник создает свои шедевры, отличающиеся монументальным величием и одухотворенностью («Давид и Урия», 1665-1666; «Возвращение блудного сына», ок. 1668-1669).
Умер Рембрандт в 1669 г., всеми забытый. Лишь в XVIII в. его искусство наконец-то было понято и оценено по достоинству.
В 1640-1660-х гг. ведущим в голландской живописи был бытовой жанр. Картины, изображающие самые обычные моменты действительности, удивительно поэтичны и лиричны. Главный объект внимания живописцев - человек и окружающий его мир. Большинство жанровых композиций отличается спокойной повествовательностью и отсутствием драматизма. Они рассказывают о домашних заботах хозяйки дома (покупка провизии, забота о детях, занятия рукоделием), о развлечениях голландского бюргера (игра в карты, прием гостей, концерты). Художники изображают все то, что происходит в доме зажиточного горожанина, обходя вниманием общественную сторону жизни человека.
Большой популярностью пользовались жанристы: Г. Доу, чьи картины продавались по очень высокой цене, А. ван Остаде, писавший сцены крестьянского быта («Сельский концерт»), Я. Стен, излюбленными темами которого были сцены веселья и праздников («Веселое общество»), Г. Терборх, чья изящная живопись представляла жизнь богатой бюргерской семьи («Бокал лимонада»), Г. Метсю с его бесхитростной повествовательностью («Больной ребенок»), П. де Хоох, создававший созерцательно-лиричные полотна («Хозяйка и служанка»).
Расширить рамки бытового жанра стремился К. Фабрициус, проживший недолгую жизнь (погиб в Делфте при взрыве порохового склада). Одна из лучших его работ - «Воскрешение Лазаря» (ок. 1643), отличающаяся драматизмом и почти монументальным размахом. Замечательны и его портреты и автопортреты, ставящие художника в один ряд с Ф. Халсом и Рембрандтом.
Трагична судьба Э. де Фабрициуса, талантливого мастера бытовой сцены и произведений с изображением церковных интерьеров («Рынок в порту», «Интерьер с женщиной у клавесина»). Художник не стремился потворствовать вкусам буржуазной публики, поэтому его произведения, не имевшие успеха у современников, продавались за гроши. Нередко Фабрициус был вынужден отдавать их за долги домовладельцам. Зимней ночью 1692 г. семидесятипятилетний художник, выброшенный хозяином из дома, повесился на перилах моста. Подобная судьба была характерна для многих голландских живописцев, не желающих отказываться от реалистических традиций в угоду публике.
Ян Вермер Делфтский
Ярким представителем жанровой голландской живописи является Ян Вермер, прозванный по месту рождения и деятельности Делфтским. Родился живописец в 1623 г. в семье торговца картинами и шелком. О жизни Вермера известно немного. Возможно, его учителем был К. Фабрициус. В 1653 г. художник стал членом гильдии Св. Луки и женился на дочери богатого горожанина Катерине Больнес. В Делфте он пользовался уважением и славой, проживал в большом доме, расположенном на рыночной площади.
Вермер работал над своими картинами очень медленно и обстоятельно, тщательно выписывая каждую деталь. Живопись не могла обеспечить семье художника безбедное существование, хотя его полотна и пользовались большим успехом. Вероятно, поэтому Вермер и начал торговать картинами, продолжив дело своего отца.
Уже в первых работах Вермера появляется характерное для его творчества соединение реалистичности и некоторой доли идеализации образов («Диана с нимфами», «Христос у Марфы и Марии» - обе до 1656). Следующее произведение - крупнофигурное полотно «У сводни» (1656) , написанное на сюжет, используемый многими живописцами, - отличается оригинальностью исполнения. Обычная бытовая сцена у художника приобретает почти монументальную значимость. Картина выделяется среди других произведений с подобной тематикой своим смелым колоритом, выдержанным в чистых желтых, красных, черных и белых цветах, и яркой выразительностью образов.
В дальнейшем Вермер обратился к традиционным для голландской живописи камерным композициям. Как и другие голландские мастера, он изображает события, происходящие в богатых бюргерских домах. Излюбленный образ художника - девушка за чтением письма или примеркой ожерелья. Его полотна представляют бесхитростные бытовые сцены: служанка подает своей хозяйке письмо, кавалер подносит даме бокал вина. Но эти картины, простые по композиции, поражают цельностью, гармоничностью и лиризмом, их образы привлекают естественностью и спокойной поэтичностью.
Во второй половине 1650-х гг. художник создал самые замечательные свои произведения. Теплым чувством отмечены глубоко лиричные «Спящая девушка», «Бокал вина», «Девушка с письмом». Многие голландские живописцы этого времени в своих картинах изображали занятых работой служанок, но только у Вермера образ женщины из народа имеет черты подлинной красоты и величия («Служанка с кувшином молока»).
Вермер - настоящий виртуоз в передаче сущности мира вещей с помощью изобразительных средств. С большим мастерством исполнены натюрморты в его картинах. Удивительно красиво и естественно выглядит блюдо с яблоками и сливами, стоящее на покрытом узорной скатертью столе в полотне «Девушка с письмом».
В картине «Служанка с кувшином молока» восхищает своей свежестью хлеб и молоко, густой струей льющееся из кувшина.
Большую роль в произведениях Вермера играет свет. Он заполняет пространство полотен, создавая впечатление необыкновенной воздушности; моделирует формы и проникает в краски, заставляя их светиться изнутри. Именно благодаря такому количеству света и воздуха создается особая эмоциональная приподнятость большинства работ Вермера.
Замечательное мастерство живописца проявилось и в пейзажной живописи. Маленький уголок города, окутанного влажной атмосферой пасмурного дня, воспроизводит ясная и простая по композиции «Уличка» (ок. 1658). Чистым и свежим предстает омытый дождем город в картине «Вид Делфта» (между 1658 и 1660). Сквозь нежно-серебристые облака пробиваются солнечные лучи, создавая на поверхности воды множество ярких бликов. Звучный колорит с его тонкими цветовыми переходами придает картине выразительность и гармоничность.
В 1660-х гг. живопись Вермера становится более изысканной и нарядной. Меняется и палитра, в которой теперь доминируют холодные красочные оттенки («Девушка с жемчужиной»). Главными героями полотен становятся окруженные роскошными предметами богатые дамы и кавалеры («Любовное письмо», ок. 1670).
Ян Вермер Делфтский. Служанка с кувшином молока. Между 1657 и 1660 гг.
Ян Вермер Делфтский. Мастерская живописца. Ок. 1665 г.
В последний период жизни Вермера произведения его становятся поверхностными и несколько надуманными («Аллегория веры»), а палитра теряет насыщенность и звучность. Но и в эти годы отдельные произведения художника поражают прежней выразительной силой. Такова его «Мастерская живописца» (1665), в которой Вермер изобразил себя за работой, и картины «Астроном» и «Географ», запечатлевшие ученых.
Судьба Вермера, как и многих других голландских мастеров, трагична. В конце жизни больной художник, потерявший большинство прежних заказчиков, вынужден был перевезти свою большую семью из прежнего дома в более дешевое жилище. За последние пять лет он не написал ни одной картины. Умер живописец в 1675 г. Его искусство было надолго забыто, и только в середине XIX в. Вермер был оценен по достоинству и поставлен в один ряд с такими голландскими мастерами, как Рембрандт и Ф. Халс.
Загрузка...
